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クラシック音楽ＣＤの雑談（２０２５年８月）
ふと思ったことなどを寝言みたいに書いてます・・・
ノイマン指揮、チェコフィルのスークのアスラエル交響曲#４０年前のＣＤ 第４２３回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、DENONの１９８５年３月２１日発売の新譜に、ヴァーツラフ・ノイマン指揮のチェコフィルによる、ヨセフ・スークのアスラエル交響曲がありました。スークは、ドヴォルザークの娘のオティリエと結婚し、作曲家として順風満帆な活躍をしていたところ、１９０４年５月１日に義父のドヴォルザークが脳出血で急死するという事態に直面して大変な衝撃を受けたのでしたが、その８か月後にはドヴォルザークに捧げる交響曲の作曲に着手し、第３楽章までを書き上げて、第４楽章に着手していたところで、今度は妻のオティリエが急死するという悲劇に見舞われ、再び作曲どころではなくなったのでしたが、１年後に再び作曲に取りかかり、当初の構想を変更して、第１～３楽章はドヴォルザークに、第４，５楽章はオティリエに献呈する作品として完成させたのでした。ちなみに、アスラエル交響曲の「アスラエル」とは死者の霊に付き添う天使の名です。 この作品は、非常に悲劇的でシリアスな作品ではあるのですが、救済や希望の光が垣間見えるような思いがするところに、スーク自身の経験した悲劇を乗り越えて辿り着いた観照的な境地を感じます。 実は、アスラエル交響曲の国内盤はこれまで発売されたことがなく、この録音が国内初出で、ＣＤとＬＰ（OF7162）の同時発売でした。演奏については「レコード芸術」１９８５年５月号の月評での小石忠夫氏は「この曲は独自の形式による５楽章の交響曲で、いわゆる標題音楽とは異なる。ノイマンの演奏もそうした線上にあり、きわめて端正な造形でまとめられている。しかも驚くほど清潔で、緊張感が強い。この指揮者は、おそらくこの悲劇的な作品に、深い共感を抱いているのだろうが、第１楽章では作品の内部に凝集している強い生命力や苦悩に触れ、死という不条理への怒りすら感じさせる。第２楽章のアンダンテは性格的な葬送行進曲といわれるが、ここではノイマンの演奏は清澄そのものである。第３楽章のスケルツォもデリカシーと流動感にみちあふれており、第４楽章アダージョもきわめて密度が高い。これは、全楽章を見事に洗練された解釈とアンサンブルで素直にまとめながらも強い説得力をもち、スークの作品そのものを再評価させる好演と評価したい。」と評して準推薦としていました。 もう一方の諸井誠氏は「全体の構成は５楽章。アレグロが１つもないのが特徴である。しかし両端楽章にはテンポの変化があって、高揚する場面が少なからずあるので、この面での問題はない。２つの安定した緩徐楽想、第２楽章のアンダンテと、第４楽章のアダージョの間に挟まれているのがスケルツォに当たる第３楽章だが、これは、”マーラー風のグロテスクな筆致による死の舞踏”というように解説されているが、透明感の方が印象的でむしろ”アスラエルの死の舞踏”なのではないだろうか。私小説風交響響曲として捉えるのは正しい見解だが、２０世紀に食い込んだ後期浪漫派の尻尾の部分に生まれた傑作であり、一聴の価値がある。演奏は非常に充実している。」と評して準推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、非常に明快で聴きやすくて分かりやすい演奏であり、この未知の作品を広く紹介するという任を十分に果たし得ているのではないかと思う一方で、録音も含めて、ややこぢんまりとした感があることは否めず、この録音の発売当時の先駆的業績であったことには疑問の余地がないとしても、現在ではさらに鮮明でダイナミックでドラマチックな録音が多々リリースされているところであり、やや分が悪い感があるのですが、この演奏独自の表現の世界は、１９８３年当時のノイマン指揮、チェコフィルの演奏の記録としての貴重さがあるのではないかとも思っているところです。
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エルザ・バレンヌの交響曲第１番と第２番ほかフランスの作曲家のエルザ・バレンヌ（Elsa Barraine, 1910–1999）は、パリ音楽院でポール・デュカスに師事し、同門にはメシアンやデュリフレがいました。１９２９年にはローマ大賞を受賞しており、当時のパリの音楽会での幅広い交流があって、積極的に作曲もし、ラジオ放送でも表に裏に活動もし、パリ音楽院の教授も務め、その足跡は非常に大きいものがあるのですが、なぜか現在ではほとんどその名を知られていないのが現状です。ユダヤ人であったエルザ・バレンヌは第二次世界大戦中はレジスタンス運動に深く関わり、国民音楽戦線のメンバーであり、ナチズムと反ユダヤ主義に抵抗する作品を作曲してもいました（後述のアンドレ・スピールの「ポグロム」のための交響的イラストレーション）。 そんな中にあって、女流指揮者のエレーナ・シュヴァルツ（Elena Schwarz, 1985-）指揮のケルンＷＤＲ響による、エルザ・バレンヌの交響響曲第１番と第２番ほかを収録した１枚が発売になりました。 収録曲ですが、交響曲第１番はローマ留学中に作曲した、新古典派形式の作品で、交響曲第２番「戦争」は戦争の脅威に対する不安を反映した作品です。アンドレ・スピールの「ポグロム」のための交響的イラストレーションは、詩人アンドレ・スピールの詩に基づくナチズムと反ユダヤ主義に対する恐怖を表現し、ティツィアーノの埋葬のための葬送音楽は、エルザ・バレンの作曲時期としては後期の作品で、怒りの日の旋律も想起させるピアノとオーケストラのための厳かな音楽です。 これも通常のＣＤと同時に９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでも発売になりましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しました。 私もエルザ・バレンヌの作品をこれまで聴いた記憶がなく、この録音の発売を機に、楽しみに聴かせてもらおうと思っています。 なお、Elsa Barraineは、ネット上ではエルザ・バルレーヌと表記されているようですが、”Barraine”の発音は、[baʁɛn] ということであり、カタカナで表記するとバレンヌが最も近いようなので、エルザ・バレンヌとしています（バレンヌのレはʁɛで、喉の奥で濁らせた発音になるのですが、これはカタカナ表記ができません）。
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グールドのベートーヴェンのピアノ・ソナタ集#４０年前のＣＤ 第４２２回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ＣＢＳソニーの１９８５年１月２１日発売の新譜に、グレン・グールドのピアノ独奏によるベートーヴェンのピアノ・ソナタ集の６枚組ＣＤがありました。これは、グールドが米コロンビア（現ソニークラシカル）にステレオ録音していたベートーヴェンのピアノ・ソナタの録音を１７曲収録したものです。録音時期は１９６０年代から８０年代初頭に亘っています。グールドにはこのほかピアノ・ソナタ第３０～３２番の１９５６年のモノーラル録音もあるのですが、これは収録されていません。 また、第１２番と第１３番はＣＤで単売されており、これが再発売になります。 これらの録音のＬＰ初出は以下のとおりですが、発売当時の「レコード芸術」の月評で推薦になったものは皆無で、全て無印だったようです。
今回発売のＣＤの音質なのですが、これが非常に良好で、グールドのピアノの音の質感が良く再現されていますし、音像、音場感も自然で、その後のハイビットマスタリングやハイレゾの音質よりも好ましいと感じるくらいなのです。ＣＤとしても再発売となる第１２番と第１３番についても、今回のＣＤの音質の方が良好です。 これも「グールド名演集」というＣＤ化の一環なのですが、このシリーズのＣＤの音質はおしなべて良好で、それはマスタリングの手を加える度合いが少ないことと、後年の演算処理のデジタルプロセスによるマスタリングではなく、リアルタイムで情報を流し込むというアナログ的な感覚を残したマスタリングが功を奏しているのかもしれません。 #４０年前のＣＤというのは、私自身の懐古趣味に他ならないのですが、こうして改めて聴いてみると、まさに温故知新というべきか、改めてその音の良さや、演奏の良さに気付かされることが多々あって非常にありがたく、それゆえの充実した聴体験ができていることには、巡り合わせの幸運さのようなものを感じてもいるところです。
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イム・ユンチャンのチャイコフスキーの四季韓国のピアニストのイム・ユンチャン（Yunchan Lim、임윤찬、2004-）は、２０２２年の第１８回ヴァン・クライバーン国際ピアノコンクールで史上最年少の１８歳で優勝し、コンクールのファイナルでのラフマニノフのピアノ協奏曲第３番の演奏がYouTubeで公開されていて、その演奏の凄さが大きな話題となりました。私自身がイム・ユンチャンの実演を聴いたのは、昨年５月の仙台フィルの第３７２回定期演奏会での、ショパンのピアノ協奏曲第２番で、ピアノ独奏が始まった途端に，コントロールの完璧さ，音色や音のエッジの美しさ，端正なパッセージワークなど，要するに目の前で行われている演奏は，まだ二十歳ながら，当代最高レベルにあることに唖然とするほど驚いてしまい、これは“ヴァン・クライバーン・コンクールで史上最年少の１８歳で優勝”というレベルの遥か上をいっており，むしろ実際の演奏の実力を矮小化しかねないなとすら思ってしまったのでした。 イム・ユンチャンは英デッカと専属契約を締結しているところですが、新譜としてチャイコフスキーの四季が発売になりました。解説書にはイム・ユンチャンによる、各曲の自身のイメージと解説が掲載されており、その序文は「チャイコフスキーの「四季」は、人生の最後の一年を描いています。」で始まっており、自身の明快なビジョンに基づき演奏が行われているようです。 録音は昨年の７月末日から翌日にかけて、英サリーにあるメニューイン・スクールのメニューイン・ホールでレコーディングセッションが行われたものです。 これも通常のＣＤと同時に１９２ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでも発売されましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しました。国内盤はＵＨＱＣＤです。あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
このジャケット画は、イム・ユンチャンの友人でありコラボレーターでもあるアーティスト、チェ・ホヨン（Ho-Yeon Choi, 최호연）による”How Much Do the Petals Weigh?”（花びらの重さは？）という作品です。「私はなぜ生きているのか？」という疑問を表現しているのだそうです。 |
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スメタナ四重奏団とハーラによるドヴォルザークの「アメリカ」とピアノ五重奏曲#４０年前のＣＤ 第４２１回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、DENONの１９８５年１月２１日発売の新譜に、スメタナ弦楽四重奏団による、ドヴォルザークの弦楽四重奏曲第１２番「アメリカ」と、ヨセフ・ハーラのピアノが加わってのピアノ五重奏曲 作品８１のいずれもライヴ録音を収録した１枚がありました。DENONでは、スメタナ四重奏団コンサート・ライヴ・イン・ジャパンというライヴ録音のシリーズをスタートさせており、その第２弾として発売されたのが、ドヴォルザークの演奏で、「アメリカ」が１９７８年１１月１４日に岐阜市民会館で行われた演奏会のライヴ録音、ピアノ五重奏曲は１９７８年１１月１８日に新宿厚生年金会館ホールで行われた演奏会のライヴ録音でした。ＬＰは１９７９年５月２５日に片面に１曲ずつ収録したＬＰ（OX7152）で発売されていました。
さらに、１９８０年９月３０日に神戸文化ホールで演奏した「アメリカ」もライヴ録音されており、スメタナ弦楽四重奏団のメンバーがレコード化を強く要望したため、ＬＰ１枚にこのライヴ録音１曲のみを収録したＬＰ（OW7407）が１９８２年９月２１日に１５００円の特別価格で１万枚限定発売されていました。
今回ＣＤ化されたのは、１９８０年９月３０日に神戸文化ホールで演奏され「アメリカ」と、１９７８年１１月１８日に新宿厚生年金会館ホールで演奏されたピアノ五重奏曲のカップリングです。 演奏については、１９７８年のライヴ録音の方は、「レコード芸術」１９７９年７月号の月評での小石忠夫氏は「（弦楽四重奏曲では）４つの弦のふとい、粘りのきいたテヌート奏法も実に魅力的で、そうしたことが朗々と歌う弦楽器的美感を高めながら、風格ゆたかな芸術を生み出している。こくのある音と陰影のゆたかさが内面性の深さと一体となって結ばれた演奏である。ハーラと共演した「ピアノ五重奏曲」も端正な様式のなかで徹底的に歌い、自然な変転の呼吸を乱さない。その中から中欧的なほの暗さをもった深い情感が、澄んだ湖面でも見るような趣をもって表されている。」と評して推薦としていました。 １９８０年のライヴ録音の方は、「レコード芸術」１９８２年１０月号の月評での門馬直美氏は「自国の最も得意とする作品の１つを演奏しているということで、さすがに緊張にみちた気迫がある。すばらしいまとまりをみせ、４人のアンサンブルという感じがしないで、達者な超人的な一人の人間が演奏しているかのようである。例えば、テンポは極めて流動的だが、そこでアンサンブルが乱れるどころか緊密さを保っていて、しかもそうしたテンポの変化と歌わせ方が微妙に一致しているのだ。第１楽章や第２楽章がその点で特に見事である。」と評して推薦としていました。 もう一方の佐川吉男氏は「いぶし銀のようにくすんだ美しさをもつ弦の響きや、作品を手の内に収めきった滑脱自在な表現力は、スメタナＳＱならではであり、すばらしい気分の高揚感に支えられた名演奏。第１楽章から、奏者たちの興奮がレコードを通してさえ、聴き手の胸にまで響いてきて、一種の戦慄感をかきたてられる。曲の構成的な把握やアンサンブルを練りあげることなどへの彼らの日常的な配慮とが、躍動するリズムや放射される色彩、音力などの中に止揚されている。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、「アメリカ」の方は、まさに自家薬籠中の作品であり、自身と確信を持って揺るぎない演奏をしており、４人のアンサンブルや呼吸も完璧で、心技体の３要素が高いレベルで実現されており、その演奏の見事さ，素晴らしさには、まさに息を呑んで聴き入る思いでしたし、当日の聴衆も引き込まれて聴いていたのではないかと思われるのですが、その一方で、高水準の模範解答みたいな面もあって、自在さとか愉悦感といった面が希薄であることに、無い物ねだりな思いを抱いてしまったのでした。 ピアノのハーラが加わるピアノ五重奏曲では、アンサンブルを楽しむといった趣があり、演奏の精度や完成度を高めるというよりは、各々が感興溢れる演奏をしつつ、お互いに音楽上の対話を楽しんでいるようなところが感じられて、「アメリカ」のときとはずいぶん異なる演奏だなあと思いつつも、個人的にはこちらの方が心置きなく楽しめると思いました。
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ブルース・リウのチャイコフスキーの「四季」のデラックスエディション２０２１年の第１８回ショパン国際ピアノコンクールの優勝者であるブルース・リウ（Bruce Xiaoyu Liu、刘晓禹、 劉曉禹、1997-は、ショパン・コンクールの後に、ドイツ・グラモフォンと録音契約を締結して、ショパン・コンクールのライヴ録音を皮切りに、続々と新譜のリリースを行ってきているのですが、最新の新譜は、昨年末に発売された、チャイコフスキーの四季でした。この録音は、もちろん私も興味があって、ＣＤではなく、ハイレゾを入手しようと思いながらも、タイミング良く入手できないでいたところ、思いがけず、デラックスエディションというのが発売になりました。 これはチャイコフスキーの四季の録音に加えて、７曲の小品の録音が加えられているものですが、今のところＣＤでの発売はなく、ダウンロードとストリーミングのいわゆるデジタルのみでのリリースのようで、私は高音質を期待して、１９２ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾを入手しました。 このブルース・リウのチャイコフスキーの四季の録音を入手しそびれていたことで、今回のデラックスエディションを、既出録音との重複なしで入手できたのは、偶然のこととはいえ、ラッキーなことであり、あとは今回入手した録音を楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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オーレル・ニコレ他によるバッハのフルート・ソナタ集#４０年前のＣＤ 第４２０回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、DENONの１９８５年１月２１日発売の新譜に、オーレル・ニコレのフルート、クリスティアーヌ・ジャコテのチェンバロ、藤原真理のチェロによる、バッハのフルート・ソナタ集の１枚がありました。ニコレは、カール・リヒターのチェンバロと、フィンクのヴィオラ・ダ・ガンバとにより、アルヒーフ・レーベルにバッハのフルート・ソナタ全集を録音しており、今回が再録音ということになるのですが、前回は８曲を演奏していたのに対し、今回は新バッハ全集で真作と認められた５曲のみを演奏しています。そのため、ＣＤ１枚に収まっています。 この録音はＣＤとＬＰ（OF7154）の同時発売で、演奏については「レコード芸術」１９８５年３月号の月評での門馬直美氏は「ニコレの重要なレパートリーとなっているバッハの作品だけあって、さすがにニコレは聴きがいのある演奏を披露している。その音が豊かに共鳴をおいたふくらみのある柔らかいもので、金属的な冷たさをもっていたいのも大きな魅力である。そして、ニコレは、明快なフレージングで音楽を運ぶ。そこにはロマン的な表情といったものがないわけではないが、それは相当に抑えられていて、全体は決して耽美的でもなく、崩れてもいないので、極めて端正である。つまり、ニュアンスをつける自由さはあるが、バッハという作品の枠からは外れていないのである。ジャコテのチェンバロが安定したリズムでしっかりとこのフルートを支えているのも特筆されていいだろう。通奏低音として加わる藤原真理のチェロも立派である。この３人はいいコンビをなしている。」と評して準推薦としていました。 もう一方の佐川吉男氏は「演奏は前のもりっぱだったが、今回は一段と流動感を増し、しかも中身が濃くなっている。旧盤のリヒターに代わって、今回はクリスティアーヌ・ジャコテがチェンバロを受け持ち、また、通奏低音の場合は、それに重ねる旧盤のフィンクのガンバが藤原真理のチェロに代わっているが、それらについてもとくに不満はない。日ごろは男まさりの大胆な発想が目につく藤原が、懸命に自分を抑えてジャコテともども、円熟の極に達したニコレのフルートに寄り添ってゆくあたりは、さぞ勉強になったろうとも思うし、一面でほほえましくもあったが――。ニコレの演奏が無伴奏のパルティータになると一段と自由さを増していたのも注目されるが、このへんの旧盤との優劣は聴き手の好みの問題になろう。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、ニコレは当代を代表するバッハのフルート奏者としての、揺るぎない評価を勝ち得ていたところであり、その実力や表現力が遺憾なく発揮された演奏をおこなっているのですが、曲の構成ごとに聴いた印象には若干の違いがあって、収録順でいくと、フルートとチェンバロのためのソナタは、非常にシリアスで求心的な演奏であり、圧を感じて息苦しい思いがするくらいなのですが、聴いていて居住まいを正すような演奏ではないかと思います。 それが無伴奏フルートのためのソナタになると、肩の力が抜けて、より自在な演奏を行うようになっていて、何よりも真摯に演奏するというだけではない、自在さ、自由さ、そしてファンタジーが感じられて、自身の演奏表現を存分に披露しているように思われました。 ジャコテのチェンバロに、藤原真理のチェロも加わる、フルートと通奏低音のためのソナタでは、演奏そのものはニコレがリードしてはいるのですが、それに対して、ジャコテと藤原真理が、非常に円満で心地よい通奏低音の演奏を付していて、聴いていて素直に楽しめますし、チェンバロとのソナタとの作品のコンセプトの違いが大変興味深く思えました。
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ネーメ・ヤルヴィ指揮、エストニア国立響のフルトヴェングラーの交響曲第２番英CHANDOSの新譜で、ネーメ・ヤルヴィ指揮のエストニア国立響による、フルトヴェングラーの交響曲第２番が発売になりました。この作品は、主にフルトヴェングラーが１９４５年２月にスイスに亡命した際に作曲されたもので、同年１０月１８日にいったん完成し、その後も手を加えられ、１９４８年２月２２日にティタニア・パラストでベルリンフィルを指揮して初演されています。 フロトヴェングラーは生前、この作品を繰り返し演奏しており、ドイツ・グラモフォンへのレコーディングセッションのほかにも、複数のライヴ録音が残されており、それらの多くは現在ではＣＤで聴くことができるのですが、フルトヴェングラー以外の指揮者による録音は決して多いわけではなく、以下の５点がある程度ではないでしょうか。
これも通常のＣＤと同時に、４８ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでも発売になりましたので、高音質を期待してハイレゾを入手しました。ちなみにこの録音のＣＤの国内発売については、現在の国内販売元であるナクソス・ジャパンから８月２１日に発売になる予定です。 ネーメ・ヤルヴィ指揮の演奏は、キビキビとした速めのテンポであることが珍しくなく、今回の録音でも、本家フルトヴェングラー指揮のドイツ・グラモフォン録音（ＷＦ）と、今回のネーメ・ヤルヴィ指揮の録音（ＮＪ）とのタイミングを比較すると以下のとおりで、演奏時間は短くなっています。 ということで、果たしてどのような演奏が行われているのか、楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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デュトワ指揮、モントリオール響の「春の祭典」ほか#４０年前のＣＤ 第４１９回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ロンドン（英デッカ）の１９８５年２月２５日発売の新譜に、デュトワ指揮のモントリオール響による，ストラヴィンスキーのバレエ「春の祭典と、管楽器のための交響曲（ドビュッシーを偲んで）をカップリングした１枚がありました。これはデュトワ指揮のモントリオール響による、ストラヴィンスキーの作品の初録音でしたが、この後、３大バレエを始め、ストラヴィンスキーの様々な作品を録音していくことになります。 バレエ「春の祭典は改めて説明を要するまでもない有名曲ですが、カップリングの管楽器のための交響曲（ドビュッシーを偲んで）は、フランスの音楽誌「ラ・ルビュー・ミュジカル」が１９２０年１２月号（ドビュッシー追悼特別号）に掲載する作品を依頼されて作曲されたもので、この音楽誌には５１小節からなるコラールのピアノ曲が掲載されたのですが、最終的に管楽器のための交響曲（ドビュッシーを偲んで）として完成されていたものです。 初演は１９２１年６月１０日にロンドンでクーセヴィツキーの指揮により行われたのでしたが、これが大失敗に終わったと伝えられており、ストラヴィンスキーはさらに改訂の手を加えて、１９４７年に改訂版を完成させています。現在ではこの作品は、指揮者の選択によって最初の１９２０年版と、１９４７年改訂版のどちらも演奏されるようになっており、今回の録音では最初の１９２０年版を演奏しています。 この録音はＣＤとＬＰ（L28C1842）の同時発売で、演奏については「レコード芸術」１９８５年５月号の月評での志鳥栄八郞氏は「「春の祭典」というと、この曲の原始的なロシア臭をやたらに強調する演奏が多いが、デュトワのこの演奏は、あえてそうしたものを避けた、実に淡泊な表現で、シャープに、そして色彩的にまとめあげている。しかし、そうしたなかにも、盛りあげるべきところは力強く盛りあげており、たとえば、テンポの速い、力感にあふれた表現で、そのすさまじいばかりの迫力が見事だし、「祖先の儀式」から「いけにえの踊り」のクライマックスへと高潮させていく、巧みな設計と演出の手腕には惹きつけられる。オーケストラの練りあげられたうまさも、驚くべきもので、これは、ぜひ、実演で聴いてみたい演奏である。余白の「管楽器のための交響曲」も、このオーケストラの管楽器セクションの優秀さを如実に示した名演奏で、どちらかというとラテン的な音色だが、各パートの響きはまことに美しく、特に、最後のコラールの部分の荘重な表情には、強く心を打たれた。」と評して推薦としていました。 もう一方の藤田由之氏は「民族主義的なものから原始主義的なものに向かってひとつの頂点を築いたこの作品で、デュトワが、とくに”１９２１年版”と明示しつつこのような演奏をみせたということは、その余白に収められた「管楽器のための交響曲」が、それとほぼ時期を同じくする１９２０年の最初の版――ジャケットに明記されていないし、解説は１９４７年版であることを思わせるが、楽器法やスコアリングからは１９２０年版と考えられる――によっているということにも象徴されているように思われる。もちろん、それは、演奏自体の無骨さとか泥くささ、あるいはメカニカルな表現力の上での不満などを意味していない。その音色的なバランスなどから、そうした印象がのこされうのであって、これはまた、この作品におけるひとつのスタイルとして注目すべき内容をもつものということができる。一方のシンフォニーも、シャープな感覚と音色的な深みをみせた好演といえよう。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、「春の祭典」は、非常に明快で鮮烈な目覚ましい演奏を行っており、細部に至るまでのスコアの再現の解像度が高く、コントラストが鮮やかで、ダイナミックな表現にも不足はないのですが、この演奏において、何よりも際立っているのは、モントリオール響のラテン的明晰さというべき、明るく洗練されていて、ほどよい濃密さも有した響きと演奏であることで、一般的には「春の祭典」を演奏するとなると、ダイナミックでバーバリズムに満ちた演奏となりがちですが、このデュトワ指揮の演奏は、独自のコンセプトによる、鮮烈で美しい演奏を実現しているという点において、今なお匹敵するもののない、唯一無二の演奏であり、録音ではないかと思います。 カップリングの管楽器のための交響曲（ドビュッシーを偲んで）は、録音自体が比較的稀な作品なので、こうして録音してもらえたこと自体が貴重なものではないかと思いますし、今回は、初演が大失敗だったという、１９２０年版での演奏なのですが、実はこの作品はドビュッシー風などというものではなくて、あくまでストラヴィンスキー自身の流儀による作曲が貫かれており、作品自体に対する見解は多々あるとしても、この演奏は、非常に明晰で美しく、聴く者の心に響くものではない思いました。
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ロウヴァリ指揮、ロイヤル･コンセルトヘボウ管のショスタコーヴィチの交響曲第１５番フィンランドの俊英指揮者、サントゥ＝マティアス・ロウヴァリ（Santtu-Matias Rouvali, 1985-）は、２０１３年にコペンハーゲン・フィルの首席客演指揮者と、タンペレ・フィルの芸術監督兼首席指揮者に就任し、２０１７年にはイェーテボリ響の首席指揮者に就任し、さらに２０２１／２２年のシーズンからはエサ＝ペッカ・サロネンの後を継いでフィルハーモニア管の首席指揮者に就任するなど、３０代にして目覚ましい経歴を築いています。ロウヴァリは、２０２３年３月２２日と２３日に、ロイヤル･コンセルトヘボウ管に客演しており、そのプログラムは以下のとおりで、大変興味深い内容でした。
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アシュケナージとメータ指揮、ウィーンフィルのベートーヴェンのピアノ協奏曲第３番#４０年前のＣＤ 第４１８回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ロンドン（英デッカ）の１９８５年２月２５日発売の新譜に、アシュケナージのピアノ独奏と、メータ指揮のウィーンフィルによる，ベートーヴェンののピアノ協奏曲第３番に、アンダンテ・ファヴォリとエリーゼのためにをカップリングした１枚がありました。これは、１９８３年１１月にベートーヴェンのピアノ協奏曲全５曲の録音が一気に行われており、その全集録音リリースの第２弾であったものです。アシュケナージはショルティ指揮のシカゴ響ともベートーヴェンのピアノ協奏曲全集を録音しており、これが２度目の全集録音となります。 この録音はＣＤとＬＰ（L28C1855）の同時発売で、演奏については「レコード芸術」１９８５年４月号の月評での宇野功芳氏は「第１楽章は新ベートーヴェン全集に従い、４分の４拍子で演奏している。かなり遅いテンポによって４拍子を強調し、かつてないじっくりした味の第１楽章を生み出した。彼の表現にケレン味はまったく見とれず、極めて真摯であるが、そこに音色、リズム、気分の微妙な変化がかくされ、決して一本調子には陥っていない。第２楽章は音楽以外、何も感じさせない演奏で、１つの純粋な古典音楽だけが鳴っている。しかも、このようなスタイルのベートーヴェンを少しも平凡にならずして成しとげてしまったアシュケナージの円熟ぶりに目を見張らずにはいられない。フィナーレはゆっくりしたテンポが絶妙だ。細部のニュアンスがいっそう緻密で、転調による表情の変化、ペダルの使い分けなど、至る所に名人芸が生きているのである。メータの指揮はアシュケナージの遅いテンポに良くつけて、音楽の雰囲気をじっくりと伝えており、スフォルツァンドの生かし方、意志的なバスの強調、木管の橋渡しなど、心のこもり切った表現だ。余白に入って「アンダンテ・ファヴォリ」と「エリーゼのために」も後味のよい演奏で、前者は優秀な音楽性が匂うようであり、後者はしっとりと心静かにこの愛すべき小品を賞でてゆくのである。」と評して推薦としていました。 もう一方の高橋昭氏は「第１楽章の冒頭から、メータはエネルギーを見事にコントロールしている。力強いが重くなく、引き締まってしかものびやかである。ウィーンフィルの美しい音色も最高に発揮されており、第２主題も表面はしなやかに演奏されているが、本質的には強靱である。アシュケナージのソロは、強弱の幅がきわめて大きいが、ｆ に圧迫感がなく、のびのびと響く。展開部に入って弦のリズムに乗って第一主題を展開する時も美しい。加えて、演奏全体を支配する明快な造形感覚によって音楽が大きく起伏しながら、構成が揺るぎをみせない。第２楽章でこの上なく清純に主題を演奏する。タッチは緻密で、旋律に深い奥行きを与え、しかも決して深刻ではなく、むしろ何気ないたたずまいのうちに澄みきった精神を感じさせる。完成された古典主義と若々しいロマンティシズムが結び付いたハ短調協奏曲の性格を、これほど生かした演奏は少ない。第３楽章も自然な流れに充実した意欲が演奏に美しい輝きを与えている。余白に収められた「アンダンテ・ファヴォリ」と「エリーゼのために」も、こまやかな感情を生かした演奏である。」と評して推薦としていました。 また、この録音は、後にピアノ協奏曲全集にまとめられて再発売されており、それが１９８５年度の日本レコードアカデミー賞の協奏曲部門と大賞を受賞していました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、冒頭のオーケストラによる序奏が始まった途端に、シリアスで引き締まった響きと、真摯な演奏の表情に思わず刮目してしまったほどで、ベートーヴェンのハ短調の作品なので、当然の姿勢と言われればそうなのですが、「皇帝」のときとは全く趣が異なっており、アシュケナージのピアノ独奏も、そのコントロールが全く見事で、深く味わい深い演奏をつくりだし得ていて、アシュケナージがこれだけの表現ができるのかと改めて驚いてしまいましたし、同時に、テンポや強弱、フレージングなどの変化が頻繁かつ細やかで、ベートーヴェンのピアノ協奏曲を演奏するのに、これほど細々とした変化を施していくアプローチもあるのかと、認識を新たにする思いでした。「アンダンテ・ファヴォリ」と「エリーゼのために」は、息を呑むほど絶妙で美しくて、多感で繊細な表現には心打たれるばかりで、作品との格段の相性の良さを感じました。
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アシュケナージとメータ指揮、ウィーンフィルの「皇帝」#４０年前のＣＤ 第４１７回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ロンドン（英デッカ）の１９８４年１２月１日発売の新譜に、アシュケナージのピアノ独奏と、メータ指揮のウィーンフィルによる，ベートーヴェンののピアノ協奏曲第５番「皇帝」がありました。これは、１９８３年１１月にベートーヴェンのピアノ協奏曲全５曲の録音が一気に行われており、その全集録音リリースの第１弾であったものです。アシュケナージはショルティ指揮のシカゴ響ともベートーヴェンのピアノ協奏曲全集を録音しており、これが２度目の全集録音となります。 ロンドン（英デッカ）の国内盤規格ＣＤ１９８４年１２月新譜からF35L-50000規格番号となっており、これがシール帯と日本語解説と西ドイツプレスＣＤという、個人的には最強の組み合わせで、価格も４,２００円から３,５００円下がっていたところです。そしてその最初の規格番号であるF35L-50001が他でもない、この「皇帝」の録音でした。 しかしながら、この規格番号のＣＤは発売にならず、代わりにF32L-59001という規格番号で３２００円の限定盤がリリースされたのでした。そのため、F35L-50001の発売は１９８５年５月２５日までずれ込んでおり、タイミング良く採りあげそびれていたのでした。 この録音のＬＰ初出は２０日遅れの１９８４年１２月２１日に２,０００円の限定盤（L20C5341）で、演奏については「レコード芸術」１９８５年１月号の月評での宇野功芳氏は「アシュケナージのピアノは相変わらず美音だ。それはあたかも宝石からしたたり落ちる露を思わせ、いつも澄んだ光沢を湛えて耳の悦楽となる。特に弱音部の少しもやせない香りがすばらしいが、力強いメリハリにも決して欠けてはいない。音が美しいのでその効果が直接的に感じられないだけなのである。このような特質は第１楽章にとりわけ強く感じられる。続く第２楽章はしっとりしたおとなしい弾き方が目立つ。まことに透明なべートーヴェンだが、スコアに書かれたエスプレッシーヴォの指定からはやや遠い気がする。最後の第３楽章でアシュケナージは初めて表現の意思を伝えてくる。それを一口にいえば、遅いテンポでウィーン風の８分の６拍子を体現しようとしたことであろう。この落ち着いた気分によってこそ終楽章の一種のウィンナ・ワルツのような気分は十全にあらわれる。メータの指揮は外面的な厚みや壮麗さに焦点をしぼったもので、力づくなくらいの迫力と明るさを持ち、弦の弓を大きく使わせて、一般のイメージにある「皇帝」像を１００パーセント描きあげてゆく。従って内省というか、人の心をのぞきこむような影の部分に欠けるのは致し方なかろう。」と評して推薦としていました。 もう一方の高橋昭氏は「第１楽章冒頭のカデンツァ風のパッセージから、アシュケナージもメータも実に力強い演奏を展開する。アシュケナージは響きの美しさを失わず、メータも決して重くならない。その結果、豊かな響きも爽やかな余韻を残す。第一主題を導入するメータのエネルギー、第二主題で示すひめやかな情感はそれぞれに魅力的で、ウィーンフィルもメータの指揮に応じて力強く演奏する。そして旋律を歌わせる弦の滑らかなフレージングと洗練された感覚はウィーンフィルの魅力である。アシュケナージのタッチは文字通り美しい。感情の起伏を細かく反映させながら、決してナーヴァスにならず、常に余裕を保っている。彼の解釈は決して感情に押し流されないが、豊かな感情を保ちつつ、精神を集中させる。それがベートーヴェンの音楽から見事なバランスを引き出している。彼の個性は知性と感情の完璧な平衡の上に成り立っている。それが”安心して身をまかせられる演奏”を生み出す原動力なのであろう。」と評して推薦としていました。 また、この録音は、後にピアノ協奏曲全集にまとめられて再発売されており、それが１９８５年度の日本レコードアカデミー賞の協奏曲部門と大賞を受賞していました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、アシュケナージと、メータ指揮のウィーンフィルの「皇帝」ということで想像してしまうような演奏そのものといった感があり、アシュケナージのピアノは、温和でほどよいキレがあって、オーソドックスで余裕のある演奏を展開しており、メータの方も優しいまなざしと包容力とスケール感のある指揮ぶりであり、ウィーンフィルも、自らの持ち味・魅力を最大限発揮した、美しく柔らかでしなやかな演奏を行っており、これは絶妙な組み合わせによる、幸福感あふれる実り豊かな演奏というほかないのですが、ちょっと締まりのない、浮ついたような、安穏とした演奏のように思えてしまう面もあり、私の場合は、それが物足りないのでした。
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Belle âmeシリーズのスヴェトラーノフ指揮指揮のチャイコフスキーの「悲愴」ほかここのところ，米SPECTRUM SOUNDの“Belle âme (ベルアーム)”シリーズの新譜の紹介が頻出しているところですが，さらに新譜として，スヴェトラーノフ指揮のＲＴＢ－ＢＲＴ響による、ムソルグスキーの歌劇「ホヴァンシチナ」～モスクワ川の夜明けと、チャイコフスキーの交響辱第６番「悲愴」を収録した１枚が発売になりました。これは１９８３年５月１０日にパリのサル・プレイエルで行われた演奏会のライヴ録音です。これは、ベルギーのオーケストラのパリ公演のライヴ録音ということになるのですが、これがなかなか分かりにくいところがあり、ＲＴＢ－ＢＲＴ響というのは、１９３５年にベルギー国立放送協会が放送用のアンサンブルとして発足させていた大交響楽団（Groot Symfonie-Orkest）が、１９７７年にオランダ語放送局（ＢＲＴ）と、フランス語放送局（ＲＴＢ－ＢＲＴ）のオーケストラに分離しており、オランダ語放送局のＢＲＴ響はブリュッセルフィルとして現在も存続しているのに対し、フランス語放送局のＲＴＢ－ＢＲＴ響は、１９８５年にＲＴＢＦ響に改名した後に、１９９１年に解散しています。 このライヴ録音は、スヴェトラーノフが、既に解散してしまった、ＲＴＢ－ＢＲＴ響を指揮してのライヴ録音という点でも貴重ですし、曲目もスヴェトラーノフ得意のレパートリーでもあり、果たしてどのような演奏が行われているのか楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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ベーム指揮、ウィーンフィルのブルックナーの交響曲第４番#４０年前のＣＤ 第４１６回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ロンドン（英デッカ）の１９８５年３月２５日発売の新譜に、ベーム指揮のウィーンフィルによる，ブルックナーの交響曲第４番「ロマンティック」がありました。ベームはブルックナーの交響曲を自身の主要なレパートリーとしており、戦前の１９３６年と３７年にザクセン・シュターツカペレ（現在のドレスデン・シュターツカペレ）を指揮して交響曲第４番「ロマンティック」と第５番をＥＭＩに録音していましたし、１９４３年のマグネトフォン録音の交響曲第７番も繰り返しリリースされているところです。 それが戦後になるとなぜか、ブルックナーの交響曲のセッション録音がなかなか行われず、そんな中で、１９７０年９月にウィーンフィルを指揮しての交響曲第３番が英デッカに録音され。次いでには１９７３年に交響曲第４番「ロマンティック」が録音されていたところです。 その後、この録音は２００４年に国内盤のＳＡＣＤハイブリッド盤（UCGD-7020）が，２０１０年に音匠仕様ＳＨＭ－ＳＡＣＤシングルレイヤ盤（UCGD-9006）が、２０２１年には音匠仕様ＳＡＣＤハイブリッド盤（PROC-2316/7）発売されており、現在ではこれらのＳＡＣＤで聴いているところです。
さらに、１９７６年にはウィーンフィルを指揮して交響曲第７番と第８番をドイツ・グラモフォンに録音しており、これらの録音によって、ベームのブルックナーの演奏が容易に聴けるようになったのでした。その後は、ベーム指揮のブルックナーの交響曲のライヴ録音や放送録音が続々と発売されるようになっているところです。 交響曲第４番「ロマンティック」の録音に戻ると、この録音の国内初出は、１９７４年１１月２５日発売の２枚組ＬＰ（SOL1003/4）で、演奏については「レコード芸術」１９７４年１２月号の月評では「驚異的な名演奏。何から何まで万全の美しさを持っているが、第一にウィーンフィルの表現力の多様さと底力は超絶的なもの。加えてベームの指揮により、強い緊張の糸が全体に張りめぐらされ、パースペクティヴも完璧といって過言でない。金管の威力も素晴らしく立派の一語に尽きる。ベームはいささかの曖昧さも乱れもみせず、大きな風格を具えた峻厳な表現。」と評して推薦としていました。 また、この録音は、１９７４年度の日本レコードアカデミー賞の交響曲部門と大賞を受賞していました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、この録音はＬＰ時代から聴いているのですが、明朗で豊かで心地よい演奏が楽しめるもので、ウィーンフィルの美質が最大限発揮されていますし、爽やかな春風が風が野を吹き抜けるような、ウォームな爽快さとともに、作品を存分に楽しめる演奏であり、私自身を含め、当時の愛好家はブルックナーの交響曲の魅力に蒙を啓かれる思いだったのではないかと思われます。 しかしながら、改めて聴いてみると、オーソドックスな表現なのは良いとしても、それが当たり障りのない演奏にとどまっているのではないかとも感じられて、ベームの演奏独自の、やや苦み走った軽快でキレの良い演奏にもなってはいなくて、ウィーンフィルとともに、なんだかやけに物わかりの良い演奏をしているような感があり、それゆえ、自家薬籠中にある良い演奏だけれども、その良さというのが表層的でぬるま湯的のようなところがあり、もうちょっと踏み込んだアプローチであったなら、さらによい演奏になったのではないかと思えてしまったのでした。 とはいえ、この微妙に緩くて心地よい演奏を、心置きなく楽しめるのであれば、その方が聴き上手ということであり、それに越したことはないとも思っています。
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ビシュコフ指揮，チェコフィルのマーラーの交響曲第３番レニングラード生まれの指揮者，セミヨン・ビシュコフ（Semyon Bychkov, Семён Ма?евич Бычко?в, 1952-）は，病没したイルジー・ビエロフラーヴェクの後を継いで２０１８年からチェコの名門オーケストラであるチェコフィルの首席指揮者に就任したのでしたが，これ以前から英DECCAにチャイコフスキーの交響曲全集録音を行うなどの緊密な繋がりがあったところです。ビシュコフとチェコフィルは、録音の面では，蘭PENTATONEレーベルに精力的にレコーディングを行っているのですが、マーラーの交響曲全集録音という一大プロジェクトが進行中で，その第１弾となる交響曲第４番，第２弾となる交響曲第５番，第３弾となる交響曲第２番「復活」と、第４弾となる交響曲第１番が発売されていたところですが，さらに第５弾となる交響曲第５番が発売されていたことに気づき、大あわてで入手しました。これは昨年１月から２月にかけてプラハのルドルフィヌムのドヴォルザーク・ホールでレコーディングセッションが行われたものです。 蘭PENTATONEレーベルは，新譜をＳＡＣＤハイブリッド盤でリリースすることが多かったのですが，近年は通常のＣＤでリリースされるようになってきており，このことに関しては，やはり高音質で聴きたいという思いが強いので，ＣＤと同時期にリリースされていた９６kHz／２４bit のハイレゾを入手しました。 チェコフィルはマーラー縁のオーケストラの１つですし，このマーラーの交響曲全集録音は，ビシュコフにとっても，チェコフィルにとっても，重要プロジェクトとして進行中のものであり，今回発売の交響曲第３番の録音も楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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ショルティ指揮、シカゴ響のマーラーの交響曲第５番#４０年前のＣＤ 第４１５回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ロンドン（英デッカ）の１９８５年３月２５日発売の新譜に、ショルティ指揮のシカゴ響による，マーラーの交響曲第５番がありました。ショルティは１９６９／７０年のシーズンからシカゴ響の音楽監督を務めることになったのですが、この両者による最初の録音というのが、このマーラーの交響曲第５番（とカップリングのヘレン・ワッツとの子供の不思議な角笛）の２枚組ＬＰでした。シカゴ響が英デッカに録音するというのもこれが初めてでした。 この録音の国内初出は１９７１年１月発売の２枚組ＬＰ（SLC1993/4）で、演奏については「レコード芸術」１９７１年２月号の月評では、「ショルティは劇的表現を強化して、むしろ劇的演出の演奏といってもよいほどである。しかもシカゴ交響楽団がショルティの思うがままに動いて、すぐれた技巧の統一をもって表現している。特に第３，４楽章は傑出した演奏である。ソロのトランペットも優秀。ミントンの歌う「子供の不思議な角笛」も、逞しい技巧と声とをもって、明るく歌って爽やかである。」と評して推薦となっていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、実はＬＰの頃から繰り返し聴いていた耳タコ録音なのですが、もうとにかく、ショルティ指揮のシカゴ響の驚異的な演奏テクニックとパワーに圧倒されるばかりで、そのエスプレッシーヴォな表現は、この作品の演奏としては一面的というか、あっけらかんとし過ぎているのではないかと思いつつも、これだけ爽快、痛快な演奏というのはなかなかなく、そこは割り切って、この演奏を存分に楽しんで聴いていたのでした。 なお、現在では、この録音は２度ＳＡＣＤ化（UCGD-9035, PROC-2079/81）されており、響きの質感のリアリティや、エネルギー感などの面で、より演奏の姿に近付けるのではないかと思っており、現在ではＳＡＣＤの方を聴いて楽しんでいます。
なお、これは余計な難癖かもしれませんが、このＣＤジャケットの絵画作品は、ジョヴァンニ・セガンティーニ（Giovanni Segantini、1858-1899）の「悪しき母たち」という作品で、これには物語があって、逸楽の果てに堕胎を犯した悪しき母親たちは、日の光も見えぬ氷の国で未来永劫にわたって枯れ木に髪をくくりつけられて過ごすよう罰せられた。遺棄された子が氷を破って木の根から這い上がり、彼女たちを罰することによってその罪が購われ、それによって初めて彼女たちは救済されるのである。というものです。 このジャケット画像に関して、私がわざわざ言及しているのはなぜかというと、ジャケット画像の色彩が、原作と大きく異なっているからで、そうであったとしても、このＣＤの演奏を聴く上で何ら問題にならないことは言うまでもなく、私自身の違和感でしかないのですが、この作品のオリジナルの色彩に近い画像は以下のようなものです。
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ニコラス・コロン指揮、フィンランド放送響とテツラフのシベリウスロンドン生まれの指揮者、ニコラス・コロン（Nicholas Collon, 1983-）は、オーロラ管の創設者兼首席指揮者であるほか、２０２１年からフィンランド放送響の首席指揮者を務めており、同響とはフィンランドのONDINEレーベルを中心に数々の録音を行っているところですが、新譜として同響を指揮してのシベリウスの作品を収録した１枚が発売になりました。演奏されているのは、交響曲第５番、ヴァイオリンと管弦楽のための２つのセレナード 作品６９、２つの荘重な旋律 作品７７（ヴァイオリンと管弦楽曲版）、組曲「白鳥姫」 で、作品６９と作品７７のヴァイオリン独奏はクリスティアン・テツラフです。 ニコラス・コロン指揮のフィンランド放送響は、２０２２年にシベリウスの交響曲第７番ほかの録音をリリースしており、交響曲の録音としては第２弾となるのですが、毎回、交響曲に管弦楽曲を組み合わせた録音を行っていこうとするのでしょうか。 今回も通常のＣＤと同時に９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでも発売になりましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しました。あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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アルバン・ベルク弦楽四重奏団のベートーヴェンの弦楽四重奏曲第１２，１６番と、第１５番#４０年前のＣＤ 第４１４回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、東芝ＥＭＩ（エンジェル）の１９８５年３月２１日発売の新譜に、アルバン・ベルク弦楽四重奏団による，ベートーヴェンの弦楽四重奏曲第１２，１６番のカップリングと、弦楽四重奏曲第１５番の２点がありました。アルバン・ベルク弦楽四重奏団は、テレフンケンからＥＭＩに移籍して、ベートーヴェンの弦楽四重奏曲の録音に取り組んでおり、残るは７第１５番のみとなっていたので、今回のリリースにより全集完結となったのでした。また、第１２，１６番を収録した１枚についてはこれまで未ＣＤ化だったものです。 既発録音のＣＤ化である第１２，１６番から述べると、この録音の国内初出は１９８２年１２月１日発売のＬＰ（EAC90118）で、演奏については「レコード芸術」１９８３年１月号の月評での門馬直美氏は「すばらしく迫力の強い演奏である。すべてが明快で、あいまいなところや乱れたところがまったくない。技術的に完璧なアンサンブルというべきである。その演奏は利済み、アクセント、強弱をきわめてはっきりさせていて、一見ドライで即物的なもののようだが、実はそうではなくて、こうした明快さを尊重しながらも、心にしみわたるような味をだしているのである。そのためには、テンポをあくまでも一定にしているのではなくて、歌わせるためには、テンポをデリケートに変化させている。そして、その歌には、ウィーン的なものを現代化したようなしなやかさや柔らかさがある。作品１２７の第２楽章を、これほど多様な表情で、しかも胸打つように歌わせた演奏には、滅多に接することができないだろう。作品１３５の第４楽章の緊張力の強さも特筆されてよい。全体的な音質は、明るいが鋭くなくて、洗練されている。こういう音質も、従来の四重奏団ではきかれなかったものである。」と評して推薦としていました。 もう一方の佐川吉男氏は「作品１２７がすばらしい。行き方としては、バリリ、ウェラーの名演の延長線上にあるもので、現代ふうウィーン様式の最高の演奏の１つにあげられよう。第１楽章から表現がきりっと引き締まり、しかもしなやかさを失わないこの演奏のみずみずしい現代的洗練の度合いは、ちょっと比類のないものだ。また４つの声部が均質な音で、絶妙なバランスを保ちながら、あくまでも高雅に歌っていく第２楽章の叙情の澄んだ美しさなども、たとえようがない。作品１３５も好演で、とりわけ終楽章のグラーヴェの演奏での切り込みの深さとアレグロの主部の生彩にあふれた運びとの対比はすばらしいが、第２楽章にはもう１つ線の太い風格も望まれようし、また、第３楽章はさらに深く掘り下げた表現も考えられる。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、すでに当代一の弦楽四重奏団として確固たる評価を勝ち得ているところでもあり、アンサンブルの高い精度、楽譜を有機的にしなやかに再現する自在さ、ウィーン風ともいうべきソノリティと、リズムと旋律線といった点は相変わらず見事としか言いようがないのですが、特に第１２番については、自らの持ち味と作品との相性が抜群ではないかと思われ、その独自のウィーン風の演奏というのが、作品に気品と格調を与えている感すらあって、聴いていて非常に幸せな思いがしますし、この四重奏団のテレフンケンへの録音を聴いていたときの新鮮な驚きががよみがえってくる思いがしました。 それが第１６番の方になると、相変わらず見事な演奏ではあるのですが、演奏表現が直截すぎる感があって、含みや翳り、力の抜けた、あるいは達観した世界といったところには至っておらず、この作品を演奏するにはちょっと早かったのではないかと思えてならなかったのでした。この作品は、ベートーヴェンの後期の弦楽四重奏曲の中にあっても、一番奥にあるような世界なのであり、レコードの面割りの都合もあってのカップリングとなったのではないかと思われますが、であれば、後期の弦楽四重奏団の録音の最初ではなく、最後に録音すれば違ったことになったのではないかとも思ったのでした。 なお、この録音は１９８３年度の日本レコードアカデミー賞の室内楽曲部門を受賞していました。 続いて新録音の第１５番ですが、上述のように、ベートーヴェンの弦楽四重奏曲の全曲録音がこれで完結となったものです。これはＣＤとＬＰ（EAC90263）の同時発売で、演奏については「レコード芸術」１９８５年５月号の月評での門馬直美氏は「例によってここでもこの四重奏団は、現代的な積極的な姿勢をみせて演奏している。アンサンブルはきわめて堅固であり、アインザッツはシャープである。いついかなるときでも、思い切りがよく、果断である。それだけに、きいていて不安気なところがただよってこない。そして、リズムもアクセントも実に明快である。第１楽章には、こういうクレッシェンドで鋭く迫るところが何回もある。それに加えて、この楽章での序奏と主要部との関連と対比もすばらしい。第２楽章は、メヌエット的な精神を活かしながら、大きく波うつような演奏をしているところが魅力的である。そして、第３楽章の「感謝の歌」になると、一転して粘るようなたっぷりした表情をおく。そこでの対位法的な書法も、４つの楽器による線の動きからはっきりとくみとることができる。こうした表情に対する積極性は、他の団体には多くはごくあっさりと通過されてしまう第４楽章最後のレチタティーヴォでも認められる。第５楽章の高潮も、良く計算されている。」と評して推薦としていました。 もう一方の佐川吉男氏は「「病がいえた者の神への感謝の歌」とベートヴェンが記した主題を中心にすえたこの作品を、新鮮な叙情で覆っている。だが、そのためにこの曲の厳しい美しさを損ねたり、叙情におぼれ過ぎると異質な材料が交互に出てくるだけに散漫な表現にも陥りかねないこの曲独特な構成を少しも緩めてはいない。そればかりかスケルツォ（第２楽章）のリズムの美しさも特筆にあたいするし、「感謝の歌」の楽章のなかでやはりベートーヴェン自身が「新たな力を身に感じながら」と記した部分に必要な力強さにも決して欠けてはいなかった。もっとも、この部分も後半になると、むしろきめのこまやかな美しさのほうがきわだってくるあたりは、このクヮルテットらしい。フィナーレも弾力性にとみ、コーダなど結構たくましく盛り上げてもいた。「感謝の歌」の楽章から第４楽章に移る手前にはいる「きわめて親密な気持をこめて」と記された部分の対位法の扱い方の澄んだ美しさなども、アルバン・ベルクらしい。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、実に周到で丁寧で、真摯な演奏を行っており、ウィーン風の表現というのはあまり意識されず、むしろ求道的な趣すらあって、アルバン・ベルク弦楽四重奏団がこれほどシリアスな演奏をするのかと、目を瞠る思いがしたのですが、その周到な演奏というのがその場その場のミクロ的な感があって、一貫した、あるいは持続した作品の世界をつくり出せておらず、そのせいなのか、聴いていてもなかなか心に響くものがなく、大変見事な演奏であることにに感心しつつも、冷めた思いがしてしまったのでした。このことは、この作品の演奏がそれだけ難しいということに加えて、１９７０年代の頃とは異なった演奏スタイルを模索しつつあるということも関係しているのかなとも思ったりしています。
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ルービンシュタインとバレンボイム指揮のベートーヴェンのピアノ協奏曲第３番の録音データ昨日のこの欄に、「タワーレコード×Sony Classical究極のＳＡＣＤハイブリッド・コレクション」の第１２弾について書き込んでいたところですが。このうち、、ルービンシュタインのピアノ独奏と、バレンボイム指揮のロンドンフィルによるベートーヴェンのピアノ・協奏曲全集の録音に関して、疑問に思っている点があるのです。ＲＣＡの録音データは一貫して、１９７５年３月１０，１１日に第４番と第５番「皇帝」、４月２１～２３日に第１番から第３番までが録音されたと表記されています。 これに関しては、１９９９年に発売されたＣＤ９２枚＆特典盤ＣＤ２枚からなる「アルトゥール・ルービンシュタイン大全集」（09026-63000-2）の解説書にはバレンボイムによるルービンシュタインの追悼文が掲載されており、同年１２月２３日に発売された国内盤（BVCY 37009/100）の日本語解説にはその翻訳が掲載されていました。この中で、バレンボイムは次のように記しているのです。
これに対して、翻訳者の辻本邦郎氏は「これはバレンボイムの勘違いと思われる。ＲＣＡの録音データによると、３月のセッションで録音されたのは第４番と第５番で、第３番は、第１番および第２番と同じ４月のセッションで録音されている。」という注釈を付しているのです。 そしてこのバレンボイムの追悼文の翻訳は、「タワーレコード×Sony Classical究極のＳＡＣＤハイブリッド・コレクション」の第１２弾で発売されたＳＡＣＤの解説書にも掲載されていました。 この注釈を読んだ私は、どうしても違和感を覚えてしまったのでした。というのは、バレンボイムのような頭脳明晰で記憶力抜群の人が、このような勘違いをするだろうかということで、しかもそれがＲＣＡの録音データを根拠にしているとなると、この録音データの方が誤りである可能性は考えなかったのだろうかと思ったのでした。 このことに関して、他に検証できる資料を見つけられていないので、試しに今回発売されたＳＡＣＤハイブリッド盤を聴いてみると、３月の録音は音場があまり広くなく、ピアノの響きもやや硬めなのに対し、４月の録音は音場の広がりがあり、ピアノの響きの質感が良くなっています。それで第３番の録音はどうかというと、３月の録音の方の音質ではないかと思われました。 だとすると、バレンボイムの手記に勘違いはなく、以下のように録音データを修正すべきではないかと思ってしまったのでしたが、真実はいかに。
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タワーレコード×Sony Classical究極のＳＡＣＤハイブリッド・コレクション第１２弾タワーレコードでは長年に亘って各レーベルとの提携により独自にＣＤの制作・リリースを行ってきたところですが，近年はＳＡＣＤでのリリースがメインになってきており，そのようなＳＡＣＤリリースの１つに２０１６年からリリースされている「タワーレコード×Sony Classical究極のＳＡＣＤハイブリッド・コレクション」のシリーズがあります。これはソニー・ミュージックが保有する音源を音匠仕様ＳＡＣＤでリリースするもので，嬉しいことにレーベル面が緑色の音匠仕様となっているもので，昨年１月には第１１弾となる３点がリリースされていたところです。このシリーズは，リリースのペースが非常にゆっくりであることが難点だと思っているのですが，ようやく第１２弾となる３点が発売になりました。 １点目は、ブーレーズが米コロンビア（ソニークラシカル）に録音したストラヴィンスキーの３大バレエの録音を集めた２枚組で、クリーヴランド管を指揮しての、バレエ「春の祭典」（１９４７年版）、ニューヨークフィルを指揮しての、バレエ「ペトルーシュカ」（１９１１年版）とバレエ「火の鳥」（１９１１年版）、ＢＢＣ響を指揮しての、バレエ「火の鳥」組曲（１９１１年版）が収録されています。 これらの録音のうち、「春の祭典」は、ソニークラシカルの国内盤ＳＡＣＤ（SRGR 712）、「ペトルーシュカ」は英DUTTON EPOCHのＳＡＣＤ（CDLX 7343）、「火の鳥」（１９１１年版）も英DUTTON EPOCHのＳＡＣＤ（CDLX 7377）がありましたがＢＢＣ響との「火の鳥」組曲（１９１１年版）は初ＳＡＣＤ化となります。 ２点目は、オイゲン・ヨッフムが１９８４年から８６年にかけてバンベルク響を指揮してＲＣＡに録音した３点のモーツァルトの録音を集めた３枚組で、１枚目が交響曲第３５番「ハフナー」、交響曲第３８番「プラハ」、２枚目が交響曲第３６番「リンツ」、交響曲第３３番、３枚目がセレナード第７番「ハフナー」、セレナード第１３番「アイネ・クライネ・ナハトムジーク」です。交響曲の選曲が中途半端に見えるかもしれませんが、ヨッフムとバンベルク響は、１９８２年に交響曲第３９～４１番を独ORFEOにデジタル録音しており、その続編のような形の録音でした。 これについては、１６ビットＰＣＭ録音であり、なんちゃってＳＡＣＤなので、かなり逡巡はしたのですが、入手を見送っています。 ３点目は、ルービンシュタインのピアノ独奏と、バレンボイム指揮のロンドンフィルによるベートーヴェンのピアノ・協奏曲全集で、１９７５年３月に第４番と第５番「皇帝」の演奏会の後にレコーディングセッションが行われたのでしたが、録音の出来映えに非常に満足したルービンシュタインが全集録音とすることを決心し、翌月にかけて全集録音を完成させたのでした。 これらは、本家の米ＲＣＡでは、５枚のＬＰで単売されたのが初出でしたが、国内では５枚組の全集ＬＰ（RVC 7536/40）が初出で、１９７６年度の日本レコードアカデミー賞の協奏曲部門を受賞していました。 この全集録音も、英DUTTON EPOCHから第１，２番（CDLX 7358）、第３，４番（CDLX 7345）、第５番「皇帝」（CDLX 7364）でＳＡＣＤ課されていました。 また、今回はルービンシュタインの生涯最後のレコーディングセッションとなったベートーヴェンのピアノ・ソナタ第１８番とシューマンの幻想小曲集から、ベートーヴェンの方がカップリングされています。こちらは上述の第５番「皇帝」（CDLX 7364）にカップリングされていました。 このシリーズは、なんちゃってＳＡＣＤは別として、非常に音質が秀逸なので、今回入手した２点も楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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ラトル指揮、バーミンガム市響のシェーンベルク編のピアノ四重奏曲第１番#４０年前のＣＤ 第４１３回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、東芝ＥＭＩ（エンジェル）の１９８５年３月２１日発売の新譜に、ラトル指揮のバーミンガム市響による，シェーンベルク編のブラームスのピアノ四重奏曲第１番の管弦楽曲版がありました。この編曲版は、アメリカに亡命していたクレンペラーが、同じくアメリカに亡命していたシェーンベルクに対して、１９３７年にブラームスのピアノ四重奏曲第１番の編曲をもちかけたところ、シェーンベルクは快く引き受けて、大編成の３管オーケストラの作品としたものです。原曲の弦楽器パートはオーケストラの弦楽陣が演奏し、ピアノのパートを管楽器陣が演奏するというのが基本的なコンセプトで、大規模なオーケストラ曲とするために副声部が書き加えられています。 ４０年前にはこの管弦楽曲版の録音は稀で、ＣＤではこれが唯一のものでした。その後、この辺曲版の作品は、徐々に市民権を得ていって、現在ではオーケストラのコンサートで普通に演奏されているレパートリーとなっている感があります。 これはＣＤとＬＰ（EAC90259）との同時発売で、演奏については「レコード芸術」１９８５年５月号の月評での志鳥栄八郞氏は「これは、シェーンベルクが１９３７年の夏、４ヵ月間で書きあげた作品で、シェーンベルク自身、”ブラームスの第５交響曲”と呼んでいるように、何の予備知識もなしに聴いたとしたら、これまでに知られていなかったブラームスの新しい交響曲と錯覚するのではないかと思われるほど、ブラームス的な響きにあふれた音楽になっている。この曲のレコードとしては、以前、ツェンダーの指揮したユンゲ・ドイチュ・フィルハーモニーに演奏があったが、今度のラトルの演奏は、格段にすぐれたもので、シェーンベルクの意図したブラームス的な音の世界を、万全に作りあげており、ラトルの棒のうまさと表現力の豊かさには引き込まれてしまう。これは、ブラームスの「交響曲第５番」といってよい、堂々たる構築の演奏だ。手兵のバーミンガム市交響楽団の緊密なアンサンブルと、ドイツ的な重厚な響きも特筆に値する。」と評して準推薦としていました。 もう一方の藤田由之氏は「彼は、おそらく、ブラームスの交響曲へのアプローチを、こうした作品や、「ハイドン変奏曲」などを通じて強めているのであろうが、この演奏においても、すでに彼は、ブラームス的な音響や音楽の構造に対するきわめて正統な視点を見いだしているようである。とくに、オーケストラの音質と表情の中に、重厚さと近代性との双方をバランスよく織りこんでいることは注目されよう。シェーンベルクの編曲は、ブラームスへの関心と理解を具体化したものであるが、またひとつの時代のファッションであったともいえる。ただ、シェーンベルクの理念が、ブラームスのオーケストレーションに接近する一方で、近代的な楽器用法も考慮に入れていることは見のがせまい。ラトルにとっては、それもまた関心事であったろう。彼は、それをけっして表面的にひきだすことなく、４つの楽章の交響的な魅力を展開することに成功している。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、ラトルの眼光紙背に徹した譜読みと、明確な指揮とによって、バーミンガム市響が非常に明快で精度の高い演奏を実現しており、オーケストラのソノリティとしても。明朗な味わいに富んでいて、まずは高水準のすぐれた演奏が行われているのですが、ブラームスの作品らしい重厚で安定感のあるソノリティで演奏をまとめようとするよりも、もっとリアルなスコアの再現に徹しており、そうなると、シェーンベルクの作曲のキャラクターが垣間見れるようなところもあって、その微妙な晦渋さ、過剰な小賢しさや居心地の悪さのようなものまでをも露わにした、ラトルのリアリスト的な視線を感じる演奏のようにも思われ、そのあからさまな表現の世界は、今聴いても新鮮味を感じます。
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ネルソンス指揮、ボストン響ほかによるトゥーランガリラ交響曲オリヴィエ・メシアンの代表作といえるトゥーランガリラ交響曲は、クーセヴィツキー財団の委嘱によって作曲され、全曲の世界初演は１９４９年１２月２日にバーンスタイン指揮のボストン響によって行われました。２０２４年が初演から７５周年で、セルゲイ・クーセヴィツキーの生誕１５０周年で、クーセヴィツキーがボストン響の音楽監督の就任から１００周年であるということを記念して、アンドリス・ネルソンス指揮のボストン響によるトゥーランガリラ交響曲の録音が行われました。昨年の４月にボストンのシンフォニー・ホールでレコーディングセッションが行われていたものです。ピアノはユジャ・ワン、オンド・マルトノはセシル・ラルティゴです。 この録音は昨年１２月に配信で先行リリースされていたようなのですが、加えてＣＤでも発売になりました。実を言うと、私は今回のＣＤが発売されたことで、ようやくこの録音について知ることとなった次第です。私の方はも高音質を期待して９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾを入手しました。あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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ムーティ指揮、フィラデルフィア管のマーラーの交響曲第１番#４０年前のＣＤ 第４１２回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、東芝ＥＭＩ（エンジェル）の１９８５年３月２１日発売の新譜に、ムーディ指揮のフィラデルフィア管による，マーラーの交響曲第１番がありました。ムーティと手兵のフィラデルフィア管は、当時、ＥＭＩから続々と新録新譜をリリースしていたところでしたが、この録音は、ムーティの初のマーラーの録音となったものでした。 また、録音会場についても、これまで「オールド・メット」と呼ばれた、フィラデルフィアのオールド・メトロポリタン・オペラ・ハウス（現在は「ザ・メット・フィラデルフィア」としてロックやポップスの公演などで使用）で行われていたのに対し、この録音は、フィラデルフィア美術館のメモリアル・ホールのバスケットボール・コートでの初録音でした。この録音会場は響きが良く、ムーティと、次の音楽監督のサヴァリッシュとの録音がこの会場で行われていたのでした。 これはＣＤとＬＰ（EAC90258）との同時発売で、演奏については「レコード芸術」１９８５年５月号の月評での小石忠男氏は「曲頭の序奏はおそめのテンポを採るが、そこにムーティの主張と歌がはやくも表わされており、弦の明るさや木管のやわらかく深みのある音は、もう新しいフィラデルフィア・サウンドの到来を示している。この第１楽章は、全体的に色彩の多様な混合の変化が著しい。しかも音楽は活気にあふれ、豊麗な歌がムーティの作品への共感を素直に描いている。クライマックスは生気にみちて突進するように高潮をつづけている。ムーティの演奏はこの作品のもつ”青春”の魅力を明らかにしている。終楽章も実に構成力が強い。何よりも２０分を越えるこの長大な終曲を堅固に編み上げ、各部に入念な表情を与えながら気鋭の迫力による起伏と高潮が凄まじく、それがきき手を感動の渦に巻き込む灼熱の音楽をつくっている。マーラーの若書きの作品を、これほど純粋に、また若々しく表現した演奏は滅多ときけるものではない。」と評して推薦としていました。 もう一方の諸井誠氏は「おいおい、マーラーの交響曲シリーズがこのコンビで登場するに及んで、既成のマーラー交響曲全集盤にない、新鮮なイメージが明確になっていくことだろうが、これ１枚で断定するのは危険が伴うとしても、最初から高度の熟成を感じさせる洗練を示していることは、１つの驚きである。ムーティ自身の近来の熟成度もあり、フィラデルフィア管弦楽団との一体化の深化もあり、その頂点でマーラー・シリーズのスタートが行われたと見ることができるだろう。限りない繊細さ。若々しさ。絶妙のコントロールとバランス。あらゆる点で第一級のマーラーであることは、この「巨人」に関する限り明らかだが、こうなると、テンシュテットのマーラーで１つの記念碑を建立したＥＭＩが、もしかするとこれを上回る豪華で巨大な記念碑を、所もこの新しい録音場所、メモリアル・ホールで打ち立てることになるかもしれない。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、ムーティはフィラデルフィア管とともに、明朗で色彩豊かでゴージャスで、ドラマティックな変化にも富んでいて、さらには爆発的なパワーとキレとともに迫り来る、実に雄弁かつ魅力的な演奏を作り上げていて、その意味では圧倒的な名演というほかないのですが、これが作品の演奏表現としてどうなのかとなると、スコアの具象的な音の再現に留まっているのではないかという面があり、この作品での若きマーラーの希望と不安、精いっぱいの表現と主張、そして限界と無念さといった面に対する理解や共感となると、ムーティとしては、そこまでナイーヴな演奏を行うことは、自身の演奏の世界の埒外と思っているようでもあるのでした。 これは善し悪しの問題ではなく、ムーティはマーラーのキャラクターに対して、のっぴきならない共感を覚えるということはないようで、あくまでスコアを自身の流儀で再現した演奏を行っており、これはこれで１つのアプローチではあるのですが、この後、ムーティ指揮のマーラーの交響曲の録音が広がりを欠くものにとどまってしまっているというのは、それがムーティのマーラーの演奏に対するＥＭＩの冷徹な判断だったのかなあ、それでもライヴ録音で聴けるムーティの第３番や第４番はそれぞれによかったんだけどなあ、などと思いを巡らせたりもしているところです。 余談ですが、これより前、東芝ＥＭＩ（エンジェル）の、１９８５年３月１日発売の新譜までは、１枚３８００円だったのですが、この３月２１日発売の新譜からは１枚３３００円となっており、若干ながら買い求めやすくなっていました。 なお、私が所蔵しているＣＤは、国内盤初出ＣＤ（CC33-3235）ではなく、英ＥＭＩ（ANGEL）の初出ＣＤ（CDC 7 47032 2）なのですが、実はこれが、ＣＤはMADE IN JAPAN, ブックレットとバックインレイはPRINTED IN JAPAN のもので、ＣＤのマトリックスも”CC33-3235”となっているので、これは国内盤ＣＤと同等の音質で聴けているのではないかと思っているところです。
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アラベラ・シュタインバッハーのベートーヴェンのヴァイオリン協奏曲とジョルジュ・レンツの新作私の好きなヴァイオリニストの1人であるアラベラ・シュタインバッハー（Arabella Steinbacher, 1981-）は，ドイツのオルフェオやオランダのペンタトーンから録音をリリースしてきているところで、一昨年にはバッハとアルヴォ・ペルトの録音がリリースされていたところすが，新譜としてペンタトーンから、グスターボ・ヒメノ指揮のルクセンブルクフィルと２曲の協奏曲を演奏したした１枚が発売になりました。演奏されているのは，１曲目がベートーヴェンのヴァイオリン協奏曲で、長年の愛奏曲であったこの作品の録音がようやく実現したものです。 もう１曲は、ルクセンブルク生まれで、現在はオーストラリアのシドニーを拠点に活動しているジョルジュ・レンツ（Georges Lentz, 1965.10.22-）のヴァイオリン協奏曲「…遥かなる天空に光あれ…」“...to beam in distant heavens...”で、これはアラベラ・シュタインバッハーが２０１８年に作曲を依頼し、２０２３年に完成されて初演が行われた作品です。 ジョルジュ・レンツは１９８９年からCaeli enarrant...（ラテン語で「天は告げる」の意）という大規模な作品のシリーズに取り組んでおり、今回の作品は第７部 Mysteriumの中に位置付けられています。この作品の少し前の２０１６年に、ウィリアム・ブレイクの詩の「エルサレム」を読んでオーケストラとエレクトロニクスのための「エルサレム」（ブレイクに倣って）を作曲しており、今回の作曲においては「エルサレム」の中の“...to beam in distant heavens...”という言葉に、自身が表現しようとしていた世界を見たような気がしたと述べているところです。 録音はベートーヴェンが昨年７月に、ジョルジュ・レンツが一昨年９月にフィルハーモニー・ルクセンブルクでレコーディングセッションが行われたものです。 ペンタトーンはかつてはＳＡＣＤハイブリッド盤で発売していたのですが，最近は通常のＣＤでの発売がほとんどで，今回の録音も通常のＣＤでの発売でしたので，ＣＤと当時に発売された９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾを入手しました。あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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ラトル指揮のマーラーのカンタータ「嘆きの歌」#４０年前のＣＤ 第４１１回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、東芝ＥＭＩ（エンジェル）の１９８５年３月１日発売の新譜に、ラトル指揮のバーミンガム市響ほかによる，マーラーのカンタータ「嘆きの歌」がありました。カンタータ「嘆きの歌」は，１８歳の時に自ら台本を完成させて、心血を注いで作曲し、マーラーが２０歳の１８８０年に完成された，３部からなる大規模な作品です。完成の翌年にはウィーン楽友協会主宰の作曲賞である「ベートーヴェン賞」に応募しましたが受賞はならず、深い挫折を味わうことになったのでした。 その後、マーラーはこの作品に繰り返し改訂の手を加え、１８９３年には第１部「森の伝説」を除外して、第２部「吟遊詩人」と第３部「婚礼の音楽」の２部版となり、１９０１年にマーラーの指揮により２部版の改訂版が初演され、翌年には出版もされました。 初稿のスコアは、マーラーの妹のユスティーネから、彼女の夫であるウィーンフィルのコンサートマスターとして名を馳せたアルノルト・ロゼーを経て、その息子で指揮者であるアルフレート・ロゼーの手に渡り、これを用いて１９３４年に初稿の第１部がチェコ語とドイツ語で演奏され、翌１９３５年には，全３部全てが初稿の演奏が行われました。しかしその後、アルフレート・ロゼーは初稿の演奏を禁じてしまい、出版されることもありませんでした。 そのため、この作品の演奏は２部版の改訂版によるほかなかったのでしたが、１９７３年になって初稿の第１部がニューヨークのベルウィン・ミルズ社から出版され、これによって初稿の第１部と２部版の改訂版を続けて演奏することで、折衷版ながら３部版の演奏が可能となり，この３部版の演奏や録音が積極的に行われるようになりました。今回のラトル指揮の録音もこの３部版での演奏です。ちなみに初稿の３部版全てが出版されたのは１９９７年のことでした。 これはＣＤとＬＰ（EAC90252）との同時発売で、演奏については「レコード芸術」１９８５年４月号の月評での畑中良輔氏は「「嘆きの歌」も、今はどの指揮者も全曲を演奏するようになったが、このラトルの演奏も、青春の残酷さ、屈折という点で、いまひとつ、”森の暗さ”が欲しいところだが、風通しのよいマーラーであり、かえって胸にもたれないで繰り返して聴けるところがよい。あまり大時代的な演奏をされると、一度聴いてその後しばらくは取り出さないという結果に終わることが多いものだ。独唱陣はテノールのロバート・ティアーがクセのある声ながら、やはりキャリアを感じさせる巧みな演出ぶりで聴かせるおどろおどろしさのない、森のメルヒェンとして、現代っ子らしいマーラーに仕上がったのも悪くない。」と評して推薦としていました。 もう一方の佐々木行綱氏は「ラトルは、期待の新鋭だけに、オーケストラをよくコントロールし手際のよさを表している。各セクションの動きは鮮明だし、バランスの整え方も万全、色彩感もよく表されている。たしかに、そのような面では感心させられるが、私はもっと、この幻想的な作品から、ドラマを引き出して欲しかったと思う。ここには不気味さや、恨みがましさ、哀しさなどさまざまな思いが強く込められているはずである。独唱者ではメゾ・ソプラノのアルフレーダ・ホジソンが、最もよくマーラーをとらえているといえよう。テノールのロバート・ティアーがそれに準ずる。ラトルは、ブリテンの「戦争レクイエム」では立派だったが、他国の作品ではまだ若さを隠し切れないようである。」と評して無印としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、ラトルはこの作品が暗いメルヘンの物語だからといって、暗くおどろおどろしい演奏をしようなどとは思っておらず、明快・明確な演奏をすることによって、作品のストーリーを十全に描き出そうとしているように思われ、そしてそれが高い水準で達成された、大変優れた、刮目すべき演奏ではないかと思います。独唱陣や合唱にも十分に役割を果たしていて特段の不満を感じませんし、全体のまとまりも非常に良いと感じられました。
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