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クラシック音楽ＣＤの雑談（２０２５年４月）
ふと思ったことなどを寝言みたいに書いてます・・・
ジェームズ・エーネスとアレクサンダー・シェリー指揮、カナダ・ナショナル・アーツ・センター管のバッハの協奏曲集カナダのヴァイオリニストのジェームズ・エーネス（James Ehnes, 1976-）は、加ANALEKTA、英CHANDOS、英ONYXといったレーベルから続々と録音をリリースしているのですが、新譜として、加ANALEKTAからアレクサンダー・シェリー指揮のカナダ・ナショナル・アーツ・センター管ほかとのバッハのヴァイオリン協奏曲集が発売になりました。バッハのヴァイオリン協奏曲集というと、第1番 ＢＷＶ１０４１、第２番 ＢＷＶ１０４２、そして２つのヴァイオリンのための協奏曲 ＢＷＶ１０４３の３曲が演奏されることが多いのですが、今回はヴァイオリンと他の楽器との協奏曲も演奏しているほか、元々はヴァイオリン協奏曲として作曲されながら、チェンバロ協奏曲の形でしか残っていない作品から、エーネス自身がヴァイオリン・パートを復元してのヴァイオリン協奏曲も演奏されています。 解説書の冒頭で、エーネスはこの録音について以下のように述べています。
これも通常のＣＤと同時に、９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでも発売になりましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しました。エーネストしても満を持してのバッハの録音ということであり、あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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カルロス・クライバー指揮、バイエルン国立管のベートーヴェン４番ライヴ#４０年前のＣＤ 第３６８回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ORFEOレーベルが１９８４年１２月２０日に発売していた新譜に、カルロス・クライバー指揮のバイエルン国立管によるベートーヴェンの交響曲第４番のライヴ録音がありました。バイエルン国立管は、１９８２年５月２，３日にバイエルン国立歌劇場において、ベームの指揮によりベートーヴェンの交響曲第４番と第７番を演奏する予定でしたが、前年の８月１４日にベームが亡くなっており、代わりに指揮を行ったのがカルロス・クライバーでした。第６回アカデミー・コンサートというものでしたが、ベーム追悼の演奏会にもなりました。 ２日続けて行われる演奏会の場合は、再録音の機会を確保するために、初日の録音を行うことが一般的だと思われますが、２日目の５月３日の演奏会のライヴ録音が行われました。 この録音は、閉鎖されて修復中であった、ミュンヘンのプリンツレゲンデン歌劇場の再建のためのチャリティ盤として発売されたもので、このことも録音に対してなかなかＯＫを出さないカルロス・クライバーが発売を承諾した理由の１つだったようです。 このライヴ録音の国内初出は１９８４年９月５日発売のＬＰ（25PC10040）で、ＤＭＭカッティングの西ドイツ・テルデックの輸入ＬＰでの発売であり、初回入荷分のみ２５００円の特別価格（その後は２８００円）での発売でした。 演奏については、「レコード芸術」１９８４年１０月号の月評での小石忠夫氏は「バイエルン国立管弦楽団は、驚異的な精度をもったアンサンブルを生み出しており、クライバーの解釈も曲の冒頭から稀有の透徹と洗練をもって既にユニークと感じられる。しかも主部に移行するff の威力とアレグロ・ヴィヴァーチェそのもののテンポが、さっと視界が開けるように見通しのよい造形によって、交響的で意志的なベートーヴェン像をまざまざと実感させるのである。ここでは音そのものが灼熱している。それはクライバーと全奏者が一体となった凄いほどの緊張を反映しているが、情動に流され、興奮に支配されるような軟弱な演奏ではなく、細部まで楽想の精確を確実に把握し、構成の全体像を見極めたクライバーの造形力が、ゆるぎのない音楽をつくっている。この指揮者の天才的な能力が、ライヴによってかつてないほど明らかにされた名演である。」と評して推薦としていました。 もう一方の諸井誠氏は「ライヴレコーディングであり、演奏会は白熱の大成功だったらしい。何といっても、議論の焦点はフィナーレのおそるべきテンポだと思うが、いくつかの難所をどうにか切り抜けて、凄い迫力の終末に到達している。（演奏上の不備がある点について）こんなところのはめ替えは今日少しも問題にする部分ではないのだが、どうやらクライバーは完全なライヴのレコード化を狙ったようで、そうした「キズ」の修正をも拒絶したようである。そこにこの無修正ライヴ盤の真の価値があろうというものだ。こうしたライヴ盤の価値は、演奏とか録音とかをとやかく言うよりも、記念碑的意味での記録性の意味が深いのである。その意味では、当夜の雰囲気が良く捉えられているのも、本盤のメリットの１つだ。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、細部まで明快で精度が高く、各パート間のバランスも絶妙で、こういった演奏の基本的なところを高いレベルで押さえつつ、さらにカルロス・クライバーが、覇気と生命力と、積極性と、怒濤の勢いに満ち溢れた演奏をつくりだしており、これら２つの面が見事に両立しているという点において、稀有なことが成し遂げられた演奏ではないかと思いますし、聴いていて心が開放され、胸の空く思いのする演奏です。 ちなみにこれは、当時の演奏評でヨアヒム・カイザーが「部分と全体を調和させる、という難題が見事に解決される様を体験することになる。ようやくベートーヴェンの作品世界が、クライバーの指揮によって実現したのだ。忘れがたい《交響曲第４番》である。」（広瀬大介訳）と評しているのにも、通じる感想かもしれません。 さらにこのライヴ録音は２０１１年にキングインターナショナルからＳＡＣＤシングルレイヤ盤（KKC-10000）で発売されており、オーケストラの演奏表現や響きの再現性が格段に高まった音質で聴けるようになりました。ちなみにＳＡＣＤでは、ＣＤには収録されていなかった演奏前の拍手が収録されており、演奏終了後の拍手はＣＤよりも短くなっています。
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アンゲルブレシュトのエラート録音全集フランスの指揮者で作曲家でもあったデジレ＝エミール・アンゲルブレシュト（Désiré-Émile Inghelbrecht, 1880-1965）は、１９１３年にオープンしたシャンゼリゼ劇場の初代音楽監督に就任し、１９２８年から３２年までコンセール・パドルーの常任指揮者、さらには１９３４年設立のフランス国立放送管弦楽団の初代首席指揮者を務めるなど、指揮活動の面で目覚ましい活躍をしており、フランス音楽愛好家にとっては特に重要な指揮者の一人です。録音は、ＳＰ時代には仏パテに、ＬＰ時代になってからは仏コロンビアに録音を行った後、仏デュクレテ＝トムソンに数多くの録音を行っており、特にＬＰ時代の録音は国内盤ＬＰの発売機会が少なく、愛好家垂涎のＬＰでした。 それがＬＰ末期の頃から、アンゲルブレシュトの録音をまとめた組み物発売されるようになって，一般の知名度も向上し、ＣＤ化もされましたし、さらにライヴ録音も発売されて、ディスク・モンターニュのドビュッシーの歌劇「ペレアスとメリザンド」の国内盤規格の３枚組ＣＤ（32CD 3206/8）は１９８８年度の日本レコードアカデミー賞の大賞を受賞していました。そしてついに昨年には、仏BARCLAYからＬＰが発売されていた歌劇「ペレアスとメリザンド」がＳＡＣＤハイブリッド盤で発売されるという、夢のようなリリースが実現するに至っています。 このほか、２００１年から翌年にかけて英TESTAMENTから、アンゲルブレシュトのデュクレテ＝トムソン録音のドビュッシー、ラヴェル、フォーレ等が６枚のＣＤで発売されていました。 仏パテ、仏コロンビア、仏デュクレテ＝トムソンともに、現在はワーナー・ミュージックが本源保有者であることから、これらの録音を集大成したＣＤ１４枚に、仏エラートから３枚組のＬＰで発売されていたドビュッシーの作品のライヴ録音集を２枚のＣＤに収録したものを加えた、１６枚組のボックスが発売になりました。 収録内容のうち、フランス国立放送管とのエルサ・バルレーヌの植民地祭と、フランス国歌（ラ・マルセイエーズ）は今回が初出です。音源については、一番新しいリマスター音源または英TESTAMENTによるリマスターを使用していますが、初ＣＤ化やは未発表音源は、オリジナル・マスターより最新リマスターされ収録されています。 これはまさに愛好家にとっては、末代まで家宝になるような貴重で有り難いセットのリリースであり、私自身も聴いたことのない録音が多々含まれていることから、大切に、そして楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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冨田勲のバミューダ・トライアングル#４０年前のＣＤ 第３６７回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ＲＣＡ１９８４年１２月１６日に発売していた新譜に、冨田勲のシンセサイザー録音によるバミューダ・トライアングルというアルバムタイトルの１枚がありました。冨田勲は，１９７２年にモーグ（ムーグ）のシンセサイザーをアメリカから輸入して使い始め、当初は相当に難儀したようなのですが，徐々に思い通りの音が出せるようになってきて，１９７３年から７４年にかけてドビュッシーの作品をシンセサイザーで演奏した録音を完成させ、それが第１作となる月の光として発売され、この録音は一足先に１９８４年２月１日にＣＤ化（RCCD-1）されており、#４０年前のＣＤ 第２２５回で採りあげていたところです。 さらにその後も録音のリリースが続き、第６作として発売されたのがバミューダ・トライアングルでした。制作の方法も少しづつ変改してきており、最初の４作は１人の作曲家の作品を、そのままシンセサイザーで演奏するというものだったのに対し、第５作の宇宙幻想と、第６作のバミューダ・トライアングルではテーマに沿って様々な作曲家の作品を採り上げるオムニバス方式での制作でした。ちなみに次の第７作のダフニスとクロエではラヴェルの作品をシンセサイザーで演奏するという方法に回帰しています。 バミューダ・トライアングルは、冨田勲が実際にバミューダへ行き、そこでの印象がベースになっているのですが、その景観を眺めているうちに聴こえてきたのはプロコフィエフの作品だったのだそうです。そのため、自由に構成されたオムニバス作品とはいえ、プロコフィエフの作品がもっとも頻繁に演奏されています。 技術的な面でも、前作の宇宙幻想では一部にのみ使用していた、ローランドのデジタル・シーケンサー（自動演奏機）のＭＣ－８のプログラミング演奏を全面的に使用した最初のアルバムでした。 もう１つ趣向を凝らされていたのが、１５０文字ほどの欧文の文章が、当時のカセットテープにデータ記録を行うカンサスシティスタンダード方式の記録を、そのまま音声化して効果音として収録していて、これを当時のマイコンピューター（現在のパソコン）に読み込ませるとディスプレイにその１５０文字が再現できるということも仕込まれていました。そのグヮーという独特な音は、当時実際にカセットテープにデータ記録を行っていた方にとっては、毎回聴いている音であり、その音にすぐにピンときたのに対し、それ以外の方は何のことだか分からなかっただろうと思われます。 私自身は、バミューダ・トライアングルのＬＰが１９７８年に発売された当時から愛聴しており、そのイマジネーション豊かな音の世界にすっかり惹き込まれていましたので、ＣＤ化されるとすかさず入手し、以後、愛聴してきました。 これは昨年、ＳＡＣＤ化されており、現在ではさらに秀逸な音質で聴くことができるようになっています。冨田勲のシンセサイザー演奏における音のセンシティヴな面は、ＳＡＣＤで初めて聴けるようになったのではないかと思っています。このことに関しては、昨年の雑談に書き込んでおりますので、ご覧下さい。 バミューダ・トライアングル
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HIMARIのセカンドシングルのエイミー・ビーチのロマンス４月２日のこの欄に、ヴァイオリニストのHIMARI（吉田 妃毬, 2011-）でデビュー録音となるワックスマンのカルメン幻想曲が先行発売されたことについて書き込んでいたところでしたが、同じく先行発売が予告されていたエイミー・ビーチのロマンス 作品２３が発売になりました。エイミー・ビーチ（Amy Beach, 1867-1944）は、アメリカのクラシックの女性作曲家の先駆けで、ピアニストと作曲家として類い希な才能を有していたのですが、結婚によりピアニストとしての活動が封印され、夫の理解も得て作曲活動を続けており、夫が亡くなった後にピアニストとしても復帰しています。 作曲家としては交響曲、協奏曲、室内楽曲、器楽曲、声楽曲まで幅広い作品を残しているのですが、ヴァイオリンとピアノのためのロマンス 作品２３は、１８９３年のシカゴ万国博覧会での「女性館」の出展企画とともに、女流ヴァイオリニストのモード・パウエルがこの博覧会で演奏するために作曲した作品です。優美で感情的な起伏のある名作で、五嶋みどりが自身の演奏活動２０周年のアニヴァーサリー・アルバムで演奏していました。 この録音は、ストリーミングのほか、９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでもリリースされましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しました。あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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リヒテルのベートーヴェンのＲＣＡ録音のＳＡＣＤシングルレイヤ盤昨日のこの欄に、リヒテルのピアノ独奏による、バッハの平均律クラヴィーア曲集全２巻のＳＡＣＤシングルレイヤ盤について書き込んでいたところでしたが、前回のＳＡＣＤハイブリッド盤の発売の際には、同時にリヒテルの１９６０年の米ＲＣＡへのベートーヴェン録音（SICC 10148/9）も同時に発売されていたのでした。
それで今回はどうなのかというと、やはりこの２点が同時に発売になったのでした。このベートーヴェンの録音はＳＡＣＤとして非常に秀逸で、ものすごいパワーと迫力の音質と演奏が聴けるものでしたし、やはり前回ＳＡＣＤ化した際のＤＳＤマスターを再使用するということから、音匠仕様ＳＡＣＤシングルレイヤ盤とはいっても、重ねて入手必要があるのかなと思っていたところでした。 とはいえ、２点発売されたうちの片方だけ入手するというのも、何となく中途半端な気がしてしまったので、思い切って入手することにしました。 それで実際に聴いてみたところ、バッハの平均律のときと同様に、ハイブリッド盤の音質よりも、僅かに引き締まった安定感のある音質で、音としての収まりが良くなっており、音質向上しているとは言えるのですが、このくらいの音質差のために改めて入手する必要があるのかとなると、費用対効果的な面からすると強くお勧めはできないのですが、少しでもいい音で聴きたいとなると入手するしかないのではないかと思います。 また、解説書については、基本的に前回発売の際のものを再利用しているのですが、前回の解説書の最後に掲載されていた、リヒテルの１９６０年のアメリカ公演とレコーディングとライヴ録音の全記録が今回は割愛されており、これはちょっと残念でした。
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リヒテルのバッハの平均律全曲のＳＡＣＤシングルレイヤ盤昨日のこの欄に、リヒテルのピアノ独奏による、バッハの平均律クラヴィーア曲集全２巻の４０年前のＣＤとＳＡＣＤハイブリッド盤について書き込んでいたところでしたが、ちょうどこのタイミングで、今度はＳＡＣＤシングルレイヤ盤が発売になりました。この録音のＳＡＣＤ化については発売当時に書き込んでいたところですが、音匠仕様ＳＡＣＤハイブリッド盤という高音質盤であったことと、 前回ＳＡＣＤ化した際のＤＳＤマスターを再使用するということから、音匠仕様ＳＡＣＤシングルレイヤ盤とはいっても、重ねて入手必要があるのかなと思っていたところでした。 しかしながら、音匠仕様ＳＡＣＤシングルレイヤ盤で聴いてもなお、もう少し良い音で聴けないのかなと思ってしまったので、僅かな望みを託して入手してみました。 それで実際に聴いてみたところ、ハイブリッド盤の音質よりも、僅かに引き締まった安定感のある音質で、音としての収まりが良くなっており、音質向上しているとは言えるのですが、このくらいの音質差のために改めて入手する必要があるのかとなると、費用対効果的な面からすると強くお勧めはできないのですが、少しでもいい音で聴きたいとなると入手するしかないのではないかと思います。
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リヒテルのバッハの平均律全曲#４０年前のＣＤ 第３６６回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、日本ビクター（メロディア）１９８４年１２月１６日に発売していた新譜に、リヒテルのピアノ独奏による、バッハの平均律クラヴィーア曲集全２巻の４枚組がありました。リヒテルはソ連のピアニストでしたので、ソ連国内ではメロディアに録音を行っていたのですが、メロディアの西側のパートナーとして共同制作を行っていたのがアリオラ・オイロディスクで、１９７０年代から８０年代にかけて、この共同制作の録音が数多く発売されていました。 そうした共同制作の録音の中でも特筆されるのが、バッハの平均律クラヴィーア曲集全２巻の録音で、ＬＰ時代から不動の名盤として聴き継がれているものです。 この録音は、１９７０年に第１巻が録音され、国内初出は１９７２年４月に新世界レコードから発売された３枚組ＬＰ（SMK-7670/72）で、演奏については「レコード芸術」１９７２年４月号の月評での小石忠夫氏は「雄大なバッハである。これはスタジオ録音の全曲盤ということにもよろうが、リヒテル自身の音楽的成熟も１つの理由に違いない。とはいえ、リヒテルはやはりリヒテルでしかない。端正な解釈の中にも無理なく自己主張を現している。それに全２４曲の連続性があらわれているのもよい。堂々とした風格の大きさや決然と革新を表明した解釈、いかなる場合にも声部の独立性や力感の緊張を保っていること、大胆ではあるが無理なく音楽的な高揚を作るデュナーミクの変化、旋律をおおらかに歌わせて精神性の深さを印象付けるアゴーギクなど、どの曲をとってもまったくみごとなものである。もっともこの平均律に、ドイツ的様式とはやや異質の面が存在するのは否定できない。しかし、これはリヒテルの全人的な表現としての音楽であり、バッハ音楽の偉大さをいやがうえにも感じさせる。」と評して推薦としていました。 続いて、１９７２年から翌年にかけて第２巻が録音され、国内初出は１９７４年４月に新世界レコードから発売された３枚組ＬＰ（SMK-7810/12）で、演奏については「レコード芸術」１９７４年５月号の月評での岩井宏之氏は「先月聴いたグルダの演奏とはまるで正反対の性格を持っている。第一に、グルダが示していたような喜悦感はなく、かわりに、この曲集が秘めている汲めども尽きぬ深い味わい、堂々たる威容、格調の高さ、といったものを正面からえぐり出している。曲集全体を通して聴くと、１曲ずつを完結した作品として徹底して読み切った成果が巧まずに現れ出て、その結果人為的な誇張のないコントラストが生じているのに気づく。これは何を意味するか。リヒテルの演奏では、２４曲の中から任意の１曲を取り出して聴いても、その曲は自立した音楽的価値を与えられているが故に、いかなる制約も被らず、いかなる不都合も生じない。私はリヒテルのこの演奏には、バッハの偉大さとバッハの慰めが同居しているように感ずる。偉大さだけを表現した演奏、慰めだけを再現した演奏は少なくない。だが両者を兼ね備えた演奏は稀である。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、円熟味も深みも感じる演奏ですし、感興溢れる表現から瞑想的な表現に至るまで間然とすることのない演奏表現を聴くことができ、これはもちろん、リヒテルの深い解釈や作品理解の賜物なのですが、私がこの演奏を聴いていて最も印象深く感じることは、演奏のスタンス、姿勢といったもので、独りで作品と向き合い、只管打坐しているような姿に引き込まれていくような思いがします。当時、吉田秀和氏も「ひたすら音楽にみたされ、孤独の中で、神と対話しているような姿勢を、この曲でこんなに濃厚に感じさせられたことは、これが最初だし、私の今までに知ったリヒテルの最高のものだ。」と書かれており、似た印象だなと思ったものでした。 なお、この平均律クラヴィーア曲集全２巻の録音は、２０１２年にアリオラ・オイロディスクが所蔵するオリジナル・アナログマスターテープからのマスタリングを行った、４枚組の音匠仕様ＳＡＣＤハイブリッド盤（SICC 10044/7）が発売されており、これが現時点で最も優れた音質で聴ける音盤ではないかと思っているのですが、なぜかあまり優れた音質の録音ではないようなのが残念に思えるところでもあります。 また、ＬＰや初期ＣＤでは、特に第１巻の録音が残響（エコー）を伴った音質となっており、これも録音の特徴の１つのように思われていたのでしたが、ＳＡＣＤ化された音質はそのような残響を伴っておらず、ＬＰや初期ＣＤのマスターテープの制作の際にエコーが付加されたようです。エコーは加えるのは容易ですが、取り除くのは非常に困難です。
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クリスティアン・ツィメルマン他による、ブラームスのピアノ四重奏曲第２，３番ポーランドのピアニストのクリスティアン・ツィメルマン（Krystian Zimerman, 1956-）は、１９７５年の第９回ショパン・コンクールで優勝し、その後はドイツ・グラモフォンに録音を行ってきており、その録音レパートリーも広範なものになっているのですが、新譜としてブラームスのピアノ四重奏曲第２番と第３番が発売になりました。ツィメルマンはブラームスの作品を高く評価しているところで、ピアノ四重奏曲については、第１番が特に演奏頻度が高い現状にあるのに対して、第２番と第３番の録音をリリースすることで、これらの作品の優れた価値に見合った認識が得られることを目指しているようです。 アンサンブルのメンバーはピアノがクリスチャン・ツィメルマン、ヴァイオリンがマリア・ノーヴァク、ヴィオラがカタージナ・ブドニク＝ガラズカ、チャロが岡本侑也というラインナップです。２０２１年６月と２０２３年４月にスイスのルガーノ文化センターのサラ・テアトロでレコーディングセッションが行われたものです。 これも通常のＣＤと同時に９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでも発売されましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しました。ちなみに国内盤はＵＨＱＣＤＣでの発売です。あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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バーンスタイン指揮のマーラーの交響曲全集ＣＤ化の第２弾#４０年前のＣＤ 第３６５回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ＣＢＳソニーが１９８４年１２月８日に発売していた新譜に、バーンスタインのマーラーの交響曲全集録音のＣＤ化の第２弾となる２点がありました。当時、ＣＢＳソニーでは、ＣＤ５大全集と銘打ったリリースを展開しており、その５大全集とは以下のものでした。「ブルーノ・ワルターの芸術」はリリース完了していましたが、他は発売途上の状況にありました。
これらの国内盤初出は、交響曲第５番が１９６４年１１月に日本コロムビアから発売された２枚組ＬＰ（OS 327/8）で、「レコード芸術」１９６4年１１月号の月評では「まるで主旋律などないかのようだ。対話的な副次楽想のすべてが対等な独立性を主張する。だから、すべての要素がバラバラで、たがいに無関係に叫喚しあっているように聴こえる。だが、これこそバーンスタインの意図したところだ。曲の要素を寸断し、有機性を破壊することによって、かえってマーラーの音楽の分裂症的な発想を強調し、ふしぎな戦慄を感じさせる。」と評して推薦となっていました。 交響曲第２番「復活」の国内初出は、１９６５年８月に日本コロムビアから発売された２枚組ＬＰ（OS 479/80）で、「レコード芸術」１９６５年９月号の月評では「バーンスタインのマーラーは、暗鬱なところがなく、劇的で鮮明、むしろ明るすぎるくらいに若々しいエネルギーに満ちている。いわば現代的なマーラーの演奏ということができよう。また、バーンスタインの管弦楽の駆使の巧妙なことが、最高度に発揮されており、それに応えたニューヨーク・フィルの技術の優秀なことが、この演奏を成功に導いている。」と評して推薦となっていました。 交響曲第１番国内初出は、１９６８年４月に日本コロムビアから発売されたＬＰ（OS 989）で、「レコード芸術」１９６８年４月号の月評では「バーンスタインはこの曲を非常に緻密に、一音一句をかみしめるようにくりひろげてゆく。劇的緊張感と愛情とをこれだけのゆとりのある大きな波をもって表現し得た彼の洞察は非常に高く評さねばならない。バーンスタインは１９世紀の満ち溢れたソノリティに、明晰でかつ鋭い２０世紀の現代の感覚と神経とを注ぎ込んで、マーラーを現代に生かしている。」と評して推薦となっていました。 交響曲第６番の国内初出は、１９６８年６月に日本コロムビアから発売されたマーラーの交響曲全集（第１～９番）の１４枚組ＬＰ（OS 2011/24）に含まれていたもので、「レコード芸術」１９６７年７月号の月評では「大半が既発売だが、新たに第６，７，９番が加わっての全集。それらの中では第７番が際立っている。特に終楽章には心を打つ力が異常といいたいほど高まっている。第６番もその悲劇性をよく表しており、第９番での人生への告別の表現もバーンスタインの個性化された解釈が大きな魅力をもっている。総体的にバーンスタインは実に周到に統一した表現をしている。」と評して推薦となっていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、いずれに演奏においても、バーンスタインの作品に対する深い読みと、並々ならぬ共感と、そしてマーラーの交響曲をレコーディングするということに対する、あふれんばかりの意欲とのめり込みと、喜びすら伝わってくるかのような演奏であり、改めて聴いてみて、これほどまでに胸を打たれ、心洗われる録音であったのかと、認識を新たにした次第です。 なお、これらのバーンスタインのマーラーの交響曲の録音は、ロンドン響との「復活」の再録音を除き、ＳＡＣＤハイブリッド盤での単売（SICC 10053/68：１０タイトル分売）と、音匠仕様ＳＡＣＤシングルレイヤ盤による全集ボックス（SIGC 32/40）が発売されており、私自身は後者の全集ボックスを愛聴しています。
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バイバ・スクリデとネルソンス指揮、ボストン響のショスタコーヴィチのヴァイオリン協奏曲アンドリス・ネルソンス指揮の、ボストン響は、ドイツ・グラモフォンにショスタコーヴィチの交響曲全集録音を行っていて、これはすでに完結しているのですが、この全集録音に、ピアノ協奏曲、ヴァイオリン協奏曲、チェロ協奏曲、さらには歌劇「ムツェンスク郡ののマクベス夫人」全曲＋αを収録した１９枚組ＣＤ（4866649）が発売され、交響曲の録音が発売される度に入手していた者にとっては、交響曲全集として発売されることは予想してはいたものの、協奏曲やオペラほかまで網羅したボックスが格安で発売されるというのは、予想外というか、かなり無念な思いがしてしまったのも事実です。いかにこの１９枚組ＣＤ（とこれに相当するハイレゾ）が格安であったとしても、交響曲全集を入手済みなので、さすがに重複入手はためらわれるところで、交響曲以外の録音が単売されたら入手するという作戦でいくほかはないと思っていたところ、まずはバイバ・スクリデのヴァイオリン独奏によるヴァイオリン協奏曲第１番と第２番が発売されたので、さっそく入手しました。 とはいえ、これはＣＤでの発売はなく、配信のみでの発売のようで、その中でも高音質の９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾを入手しました。バイバ・スクリデは私の好きなヴァイオリニストの１人であり、特にショスタコーヴィチのヴァイオリン協奏曲の演奏は定評のあるところでもあり、果たしてどのような演奏が行われているのか、楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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仙台フィルの第３８１回定期演奏会本日行われた、仙台フィルの第３８１回定期演奏会の２日目を聴いてきました。今回は仙台フィル指揮者の太田弦の指揮により以下のプログラムが演奏されました。
次いで、芥川也寸志時代の宮城フィルの頃からの団員である、ヴァイオリン奏者の熊谷祥子と、打楽器奏者の佐々木祥の２人が、芥川也寸志との思い出、エピソードを紹介しました。 プログラムの最初は、オットー・ニコライの歌劇「ウィンザー公の陽気な女房たち」序曲で、ウィーンフィルのニューイヤーコンサートでも時おり演奏される作品ですが、これを仙台フィルは、ウィーン風というのとも異なった、すっきり洗練された演奏を行っており、音色も美しく、これはこれで本当にいい演奏だなと感心して聴いていたのですが、曲の途中での全奏のところになると、響きに伸びや滑らかさがなく、ちょっと雑な感じになってしまっていたのが気になったというか、不思議な思いがしました。 次のモーツァルトのヴァイオリン協奏曲第４番では、ヴァイオリン独奏のヤメン・サーディが愛器の１７３４年製のストラディヴァリウス“Ex Lord Amherst of Hackney, Ex Fritz Kreisler”を携えての演奏だったのですが、オーケストラのイントロに続いてソロが開始されると、音量が小さいことにあれっ？と軽い驚きを感じてしまったのですが、それでもさすがにソノリティは美しいですし、キレと反応の良い演奏を行っており、表現上の変化を多用した、その表現の幅の広さはさすがにウィーンフィルのコンサートマスターだなとも思ったのでしたが、ソロのヴァイオリニストとしての存在感を有した演奏というのとも異なった、職人的なヴァイオリン弾きの演奏のような印象でもありました。もちろん、これはこれで１つの演奏スタイルだと思います。 また、カデンツァも特徴的で、特に第３楽章のカデンツァではベートーヴェンのヴァイオリン協奏曲のフレーズが演奏されたのにはビックリしました。 演奏終了後の会場の盛大な拍手に応えて、ヤメン・サーディは、無伴奏のヴァイオリン作品を演奏し始めたのですが、この演奏は協奏曲の時よりも音が大きく、ヴァイオリン演奏として普通の音量といった印象だったので、やはり、協奏曲の演奏は意図して音量を落としていたようです。このアンコールの作品は、ユダヤ系の民族音楽の要素が含まれているのか、技巧的でメロディアスな部分や、感情的な起伏の大きい部分もあり、なかなかの大熱演を聴かせてくれました。これは自作の作品でした。
プログラムの最後は、芥川也寸志の交響曲第１番で、私自身も今日のプログラムでは最も楽しみにしていた作品です。これは、１９５３年に初演された自作の３楽章からなる交響曲を元にしており、オーケストレーションをやり直すとともに、１９５５年に初演された自作のディヴェルティメントの第４楽章を改作して第３楽章とすることで、交響曲第１番が完成したのでした。初演されたのが１９５５年（昭和３０年）で、今聴くと、当時３０歳の芥川也寸志のエネルギッシュで衝動的ですらある生命力に満ちた作品であるだけでなく、昭和３０年という時代性を感じます。 こちらの演奏においても、太田弦の錯綜した作品をさばく手際が見事で、繰り返される曲進行上の急転直下に直面しても、仙台フィルの演奏には安定感があり、それも上手く演奏しようというようなものではなくて、果敢に思い切りの良い演奏を行っていて、非常にヴィヴィッドで高水準なスコアの再現が行われている、オーケストラの高い機能性に立脚した演奏ゆえか、昭和３０年という時代性はやや希薄になっているように感じられ、なるほど８０年前の作品を演奏するというのは、昭和の時代にこの作品を演奏するというのとはずいぶん異なってきているのだなと改めて思わされました。 現在の仙台フィルが芥川也寸志の作品でこれだけの演奏ができるのであれば、生誕１００周年ということもあり、ぜひとも記念演奏会をしてほしいものだと思うのですが、何とか実現できないものでしょうか。 今回の定期演奏会は、残念ながらソールドアウトにはならず、連続記録は止まってしまったのでしたが、日本人の作品がメインというプログラムゆえに避けられてしまったのでしょうか。とはいえ、プログラムの面でも演奏の面でも、私を含めて聴衆の満足度は高かったのではないかと思われますし、聴けばハマる面もあるので、何とか広く啓蒙できないものだろうかとも思っているところです。
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タワーレコード VINTAGE SACD COLLECTIONシリーズ第３８弾ユニバーサルの音源をＳＡＣＤ化する、タワーレコードの "VINTAGE SACD COLLECTION" は、２０１６年９月に第１回の新譜が発売されて以来、着々とリリースを重ねており、今昨年１２月には第３７弾となる３点ががリリースされていたところですが、さらに第３８弾の新譜が発売されました。今回は、米ウェストミンスター音源、英デッカ音源、ドイツ・グラモフォン音源が書く点で、米ウェストミンスター音源は、クナッパーツブッシュ指揮、ミュンヘンフィルのワーグナーの管弦楽曲集で、初ＳＡＣＤ化です。クナッパーツブッシュ指揮のミュンヘンフィルの米ウェストミンスター録音というと、この録音と、ブルックナーの交響曲第８番が有名ですが、ブルックナーの方は昨年ＳＡＣＤ化されていたところです。 英デッカ音源は、グルダのピアノ独奏と、ホルスト・シュタイン指揮のウィーンフィルによるベートーヴェンのピアノ協奏曲全集の３枚組で、この全集録音は２０１４年にエソテリックから３枚組のＳＡＣＤハイブリッド盤で、２０１６年にドイツ・グラモフォンから２枚組のＳＨＭ－ＳＡＣＤシングルレイヤ盤で発売されていました。ＣＤレイヤのあるハイブリッド盤は収録時間の制約で３枚組になってしまうようです。 また、このタイトルのみ、オリジナルアナログ音源からの新規のマスタリングではなく、２０１６年のドイツ・グラモフォンのＳＨＭ－ＳＡＣＤシングルレイヤ盤の際のＤＳＤデータから新規マスタリングを行っています。同一のＤＳＤデータからＳＡＣＤ化とはいえ、音質は大きく異なっており、ＳＨＭ－ＳＡＣＤシングルレイヤ盤の方は明るく明快でブリリアントな音なのに対し、今回のＳＡＣＤハイブリッド盤は落ち着いた充実感のある音で、それぞれの音の良さがあるのですが、オリジナルアナログ音源の音に近いのは今回のＳＡＣＤハイブリッド盤の方だと思います。 ドイツ・グラモフォン音源は、ドイツの女流チェリストのアニア・タウアー（Anja Thauer, 1945-1973）のドイツ・グラモフォンＬＰ２枚分の全録音です。１枚は１９６８年に録音されたマーツァル指揮のチェコフィルとのドヴォルザークのチェロ協奏曲、もう１枚は１９６４年に録音された、レーガーの無伴奏チェロ組曲第３番と、ジャン・フランセのチェロとピアノのための幻想曲です。これも初ＳＡＣＤ化ですが、そもそもＣＤでも発売されていなかったのが、２００６年にタワーレコード・ヴィンテージ・コレクションで世界初ＣＤ化されており、当時ＣＤ感想も書き込んでいたところです。 このシリーズのＳＡＣＤは音質良好だと思っているところなので、今回発売の３点も改めて楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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ニコラ・ベネデッティとニコラス・コロン指揮、オーロラ管のベートーヴェンのヴァイオリン協奏曲スコットランド出身のヴァイオリニスト、ニコラ・ベネデッティ（Nicola Benedetti, 1987-）は、私の好きなヴァイオリニストの１人ですが、本人はあくまでクラシックのコアなレパートリーのヴァイオリニストとしての演奏を志向しているのに、一時期、ヴィジュアル系とか，クロスオーバー系などの路線が画策されそうになったりもしたようで、何とかそれを振り切って現在に至っています。そのニコラ・ベネデッティの新譜として、ニコラス・コロン指揮のオーロラ管とのベートーヴェンのヴァイオリン協奏曲が発売になりました。ＣＤの収録時間からいっても、この１曲のみの収録のフルアルバムの新譜というのは、ある意味、非常に潔い収録内容ともいえるのかもしれません。 これも通常のＣＤと同時に９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでも発売になりましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しました。あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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ムラヴィンスキー・イン・ヘルシンキ２０世紀最高の指揮者の１人であるムラヴィンスキーは、飛行機嫌いで移動は列車を利用していたのですが、それでもその名声の高さ故に、手兵のレニングラードフィルとともに、大規模なツアーを何度も行っています。ちなみに来日公演の際もシベリア鉄道と船を乗り継いで日本に到着しています。１９６１年の５月から６月にかけては、スカンジナビア・ツアーを行っており、以下の都市で公演が行われました。
これらのうち、５月２９日と６月２日の公演の一部は、伊HUNTから２点のＣＤ（HUNTCD 713, 2HUNTCD 714）が発売されていたのですが、データが誤っているなどしていたのに対し、２０１５年にALTUSから５月２９日（ALT 314）と６月２日（ALT 315/6）の全プログラムのライヴ公演のＣＤが発売されていたところです。 また、このツアー最終公演となった６月１２日のヘルシンキの公演は、フィンランド国営放送によるラジオ放送が行われていたのですが、そのライヴ録音はこれまでリリースされたことがありませんでした。 それが突然、このライヴ録音が、中国の新興レーベルでこれまでパウル・クレツキの未発表ライヴ録音のリリースを続けてきたJANUS CLASSICSから発売になりました。 この６月１２日のプログラムは以下のとおりでした。当時のヘルシンキでのシベリウス・フェスティバルの一環としての公演だったようです。
さらに、シベリウス・フェスティバルに関するフランス語とロシア語によるスピーチがあって、アンコールとおぼしき、グリーグのソルヴェイグの歌と、リャードフのババ・ヤガが収録されています。 これらの収録内容の中では、グリーグのソルヴェイグの歌は、ムラヴィンスキー指揮の録音としては初登場で、これまでグリーグの作品の録音は全くありませんでした。しかしながら、グリーグのペール・ギュントは、ムラヴィンスキーのレパートリーの一角を占めていて、演奏回数も少なくなかったのですが、なぜかこれまで録音がなかったのでした。 というわけで、演奏会のライヴ録音としては不備が少なからずあるとはいえ、初出のライヴ録音ですし、初録音レパートリーも含まれている点でも貴重ですし、音質もナローレンジながら良好といえるもので、あとはこのライヴ録音をじっくりと楽しませてもらおうと思っています。
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飯森範親指揮、日本センチュリー響の「ハイドンマラソン」第２７弾と第２８弾飯森範親は、自身が首席指揮者を務める日本センチュリー響と「ハイドンマラソン」と題してハイドンの交響曲全曲演奏に取り組んでおり、平行してライヴ録音がリリースされているところで、今年の１月２８日のこの欄に、第２６弾のリリースについて書き込んでいたところでしたが、さらに第２７弾と第２８弾の新譜が発売になりました。これまでと同様にＳＡＣＤハイブリッド盤です。それぞれ３曲のライヴ録音が収録されており、いずれもザ・シンフォニーホールでのライヴ録音です。第２７弾（OVCL-00873）には、２０２３年３月３１日の交響曲第２２番「哲学者」、２０２４年３月１日の交響曲第２４番と、同年６月２０日の交響曲第８０番が収録されています。 第２８弾（OVCL-00879）には、２０２３年３月３１日の交響曲第２１番、同年５月１８日の交響曲第２５番と、同年１２月１４日の交響曲第９８番が収録されています。 これで「ハイドンマラソン」の録音は８９曲の交響曲が発売されたことになり、徐々に最終盤に差し掛かりつつあるのですが、日本人演奏家による初のハイドンの交響曲全集の完成に向けて、このシリーズのリリースが順調に続いていってほしいですし、今回の演奏も楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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ESOTERICの２０２５年３月１５日発売の新譜３点オーディオメーカーのエソテリックでは，これまでＲＣＡ，ソニークラシカル，英デッカ，蘭フィリップス，ドイツ・グラモフォン，ＥＭＩ，ワーナークラシックス，キングインターナショナルの音源を独自にＳＡＣＤハイブリッド盤で販売しており，さらにはブルーノートやインパルスなどのジャズのＳＡＣＤハイブリッド盤まで発売しているところですが，昨年１２月１４日発売の３点に続き，３月月１５日発売の３点がリリースされていました。１点目は英デッカ録音で，ロストロポーヴィチのチェロと、ベンジャミン・ブリテンのピアノによる、シューベルトのアルペジオーネ・ソナタ、シューマンの民謡風の５つの小品 作品１０５、ドビュッシーのチェロ・ソナタを収録したものです。これは２つのＬＰに収録されていたものからセレクトして１枚に収録したものです。 これは初ＳＡＣＤ化ではなく、全く同一のカップリングのＳＡＣＤハイブリッド盤（UCGD-7032）が２００４年に発売されており、さらに２０１１年には音匠仕様ＳＨＭ-ＳＡＣＤシングルレイヤ盤（UCGD-9016）でも発売されていました。
気になる音質ですが、最初に発売されたＳＡＣＤハイブリッド盤の音質も大変優れていたのですが、音匠仕様ＳＨＭ-ＳＡＣＤシングルレイヤ盤の音質は、音の情報量も実在感も増した、さらに優れた音質となっていました。これに対して、今回のエソテリック盤は、両者の中間の、ＳＡＣＤハイブリッド盤の方に近い音質といった印象です。 ２点目は，ドイツ・グラモフォン録音で，マーガレット・マーシャルのソプラノ、ルチア・ヴァレンティーニ・テッラーニのアルトと、アバド指揮のロンドン響団員によるペルゴレージのスターバト・マーテルで、さらにカップリングとして、シカゴ響の首席オーボエ奏者のレイ・スティルの独奏と、アバド指揮、シカゴ響によるモーツァルトのオーボエ協奏曲が収録されています。 これらは初ＳＡＣＤ化ですが、いずれも１９８３年の１６ビットＰＣＭ録音で、これを９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ にアップコンバートしたなんちゃってＳＡＣＤであるということが解説書に記載されています。 ３点目は，英ＥＭＩ（現在は仏ワーナー･クラシック）録音で，オーマンディ指揮のフィラデルフィア管による、１９７８～７９年の英ＥＭＩ録音からセレクトした２枚組で、収録内容は下記のとおりです。 オーマンティ指揮のフィラデルフィア管のＥＭＩ録音というのは１９７８年から８１年にかけて行われており、その全録音が２０１６年にタワーレコード・ディフィニション・シリーズのＳＡＣＤハイブリッド盤３枚組（TDSA-23/5）で発売されていたので、今回の２枚組というのは妙に中途半端な感じがします。ちなみに、１９７９年録音からは１６ビットＰＣＭなのでなんちゃってＳＡＣＤです。 こちらの音質については、今回のエソテリック盤の方は、最近のハイレゾマスタリングらしい、緻密で音場のパースペクティヴも広く、そういう意味での高音質ではあるのですが、アナログ音源の音の質感は失われ気味で、その意味では、タワーレコード・ディフィニション盤の方が、やや大まかな感はあるものの、アナログ的な音に質感やより直截なエネルギー感を聴くことができるのではないかと思いました。
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タワーレコードの“ＤＥＮＯＮ原盤ハイブリッドＳＡＣＤシリーズ”のマタチッチ指揮、Ｎ響のワーグナータワーレコードでは、２０１５年のディフィニション・シリーズの発売開始を皮切りに、ＳＡＣＤの制作販売を行ってきているところですが、近年は、１６ビットＰＣＭ録音をアップコンバートしたなんちゃってＳＡＣＤのリリースが増えており、私はこれを避けていることから、購入点数は減少傾向にあります。そのタワーレコードでは、日本コロムビア（ＤＥＮＯＮ）が保有する音源からのＳＡＣＤ化も数多く手がけているのですが、“ＤＥＮＯＮ原盤ハイブリッドＳＡＣＤシリーズ”の新譜として、マタチッチがＮ響を指揮してレコーディングセッションを行った、ワーグナーの管弦楽曲集が発売になりました。もちろん初ＳＡＣＤ化です。 マタチッチは、繰り返し来日してＮ響を指揮しており、中でもワーグナーの管弦楽曲は何度も演奏していたところで、それらのライヴ録音はＡＬＴＵＳやキングインターナショナルからＣＤ化もされているところです。 これに対して、マタチッチがＮ響を指揮してのレコーディングセッションというのはこれが唯一のもので、ＬＰ・ＣＤ時代を通じて繰り返し発売されてきた録音なのですが、今回のＳＡＣＤでの発売が音質面でも決定盤になりそうですし、あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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グルダとチック・コリアと、アーノンクール指、アムステルダム・コンセルトヘボウ管のモーツァルトほか#４０年前のＣＤ 第３６４回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、キングレコードＩ（テルデック）が１９８４年７月５日に発売していた新譜に、フリードリヒ・グルダとジャズピアニストのチック・コリアのピアノ独奏と、アーノンクール指揮のアムステルダム・コンセルトヘボウ管による、モーツァルトのの２台のピアノのための協奏曲に、チック・コリアの２台のピアノのための幻想曲、グルダのピンポンという２台のピアノのための作品２曲をカップリングした１枚がありました。周知のように、グルダはクラシックだけでなく、ジャズの演奏にも非常に熱心で、ジャズの演奏も録音も精力的に行っているところであり、チック・コリアとは、２台のピアノによるインプロヴィゼーションのライヴ録音がフィリップスから発売されており、気心知った間柄なのだろうと思われます。 この録音の国内初出はＣＤ発売の半月前の１９８４年６月２１日発売のＬＰ（K20C373）で、７０００枚限定で２０００円で発売され、その後は２８００円盤（K28C401）で発売になりました。 演奏については「レコード芸術」１９８4年7月号の月評での宇野功芳氏は「（協奏曲の）主役はグルダだ。かれは例の人口ともいえるデリケートなタッチと最美の音色を存分に駆使し、ほとんど一小節ごとにニュアンスの変化を与えながら、おどろくべきセンシティヴなモーツァルトを描き尽くす。絶妙なタッチを聴くだけでも楽しめるのに、その上豊富な強弱によって彩られてゆくのだからたまらない。一方、第２ピアノを受持つコリアだが、ジャズの名手としての彼を僕は知らない。しかし、このモーツァルトは意外に大人しく、慎ましい。ジャズ・ピアニストならば、もっと即興的な装飾なども聴きたいところだが、その点ではグルダも禁欲的で、これは両者の意図なのであろう。アーノンクールも両者のソロに合わせて、特異な解釈は何も施していない。Ｂ面にはグルダとコリアが２台のピアノ用に書いた作品が含まれているが、グルダの「ピンポン」はやや渋く、僕にはコリアの「幻想曲」の方が興味深く聴けた。ピアノの音色の美しさや魅力が十二分に生かされており、ジャズ調の部分もある。また、そのような曲調を実に見事に生かした名演だ。」と評して推薦としていました。 もう一方の高橋昭氏は「第１楽章のオーケストラの導入部で、アーノンクールは表情にふくらみを持たせて、旋律を柔らかく歌わせる。その反面、トゥッティでは緊張感を強調して鋭い対照を示す。こういう解釈は古楽器演奏での手法を古典派の音楽にも適用したと言えるかもしれない。グルダとコリアのタッチは、音色がかなり違うために２つのパートの動きがはっきりとわかる。グルダの音は引き締まっているが、コリアの音はより柔らかである。解釈で共通しているのは前打音を強調することで、符点のアクセントのつけ方にも独自のニュアンスがある。第１楽章の展開部では２人の感情の交錯が演奏の密度を高め、細かいニュアンスを演奏に反映させている。裏面に収められた２台のピアノのための曲ではコリアの「幻想曲」が面白い。クラシック音楽の手法とジャズのフィーリングをうまく結びつけている。これに比べるとグルダの「ピンポン」はいささか思いつき的である。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、協奏曲では、グルダのピアノ演奏は、クリヤーなソノリティとともに、強弱や表情の変化に富んだ、聴き手を心地よく刺激するヴィヴィッドなもので、これに対してチック・コリアは、いくぶんふくらみのある音色で、グルダの演奏のフィーリングを受け止めて、的確に応えているような演奏を行っており、その掛け合いは非常にスリリングで惹き込まれます。アーノンクール指揮のオーケストラも、精力的で引き締まっていて、生気のある演奏をつくりあげているのも見事で、この演奏は確かにモーツァルトの協奏曲らしくないような印象でもあるのですが、刺激的で楽しくて心躍る演奏であり、まさに画期的名演といいうるものだと思います。 ２台のピアノのための作品は、チック・コリアの２台のピアノのための幻想曲は、美しく叙情的な曲調で始まり、突然手拍子が入ると、アップテンポとなって、緊密な掛け合いが繰り広げられ、そのノリノリな音楽と演奏は非常に刺激的で快適なのですが、チック・コリアらしい親密な美しさが底流に感じられ、曲としての一貫性やまとまりにもつながっているように思われます。グルダのピンポンは、クラシックもジャズも演奏するグルダらしいというべきか、近現代のクラシックのピアノ作品のような曲調で始まり、即興風に変化しながら曲が進み、ジャズっぽいフィーリングにもなっていくのですが、テクニカルな作品描写の面白さの一方で、けっこう醒めた印象があって、微妙な気持ちの揺れ動きといった程度なので、いろいろやっている割りには、なかなか聴き手の気持ちを惹きつけられない作品であり演奏のように思えてしまいました。
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リヤ・ペトロヴァのMOMENTUM 1 & 2ブルガリアのソフィア生まれのヴァイオリニストのリヤ・ペトロヴァ（Liya Petrova, 1990-）は、ブリュッセルのエリザベート王妃音楽院でオーギュスタン・デュメイに、ベルリンのハンス・アイスラー音楽大学でアンティエ・ヴァイトハースに、ローザンヌ音楽院でルノー・カプソンに師事しており、２０１６年のデンマークのカール・ニールセン国際コンクールで優勝して注目され、以後、精力的な演奏活動を行っています。録音は近年、仏MIRAREレーベルに継続的に行っているのですが、コンセプトアルバムとして、ウォルトンのヴァイオリン協奏曲とレスピーギのヴァイオリン・ソナタの録音をMOMENTUM 1 として２０２３年にリリースしており、さらに今年になって、コルンゴルトのヴァイオリン協奏曲とＲ・シュトラウスのヴァイオリン・ソナタの録音をMOMENTUM 2 としてリリースしました。 両方合わせると協奏曲が２曲、ヴァイオリン・ソナタが２曲となるのですが、ヴァイオリン協奏曲はいずれもハイフェッツが初演した作品で、ヴァイオリン・ソナタは室内楽曲をほとんど演奏しなかった作曲家の作品ということで、さまざまな意味での対照をなしているということが解説書には詳細に記載されています。 MOMENTUM 1 と、MOMENTUM 2 のいずれの録音も個人的には聴いてみたい作品であり、演奏なのですが、どちらも未紹介だったので、まとめて採りあげることといたしました。協奏曲の指揮者とオーケストラはどちらも同一ですが、ヴァイオリン・ソナタのピアニストはそれぞれ異なっています。 これも通常のＣＤと同時に９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでも発売されましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しました。あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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イェリー・ダラーニの英コロンビア録音集＋αハンガリー出身のヴァイオリニストのイェリー・ダラーニ（Jelly d'Arányi, 1893-1966）は、後に著名なヴァイオリニストとなる姉のアディラ・ファキーリ（Adila Fachiri, 1889-1962）に最初のヴァイオリンの手ほどきを受けて、ブダペストのフランツ・リスト音楽院でイェネー・フバイに師事し、さらに大叔父であるヨーゼフ・ヨアヒムの前でシュポアの協奏曲の一部を演奏し、ヨアヒムもイェリーの指導をしたい思ったのでしたが、それが果たされないままヨアヒムは亡くなってしまい、以後、優れたレッスンを受ける機会を得られませんでした。その後、欧州や米国で独奏者ならびに室内楽奏者として演奏旅行を続け、ロンドンで大人気となったために当地に定住すし、姉とのデュオ、マイラ・ヘスやバルトークとの共演など、精力的に演奏活動を行い、さらには新しい音楽の演奏にも積極的で、バルトークのヴァイオリン・ソナタ第１番と第２番、ラヴェルのツィガーヌはイェリー・ダラーニに献呈されています。、ヴォーン・ウィリアムズのアカデミック協奏曲、エセル・スミスのヴァイオリンとホルンのための協奏曲はイェリー・ダラーニに献呈され、初演も行っています。さらに、ホルストの二重協奏曲はアディラとイェリーに献呈されており初演も行っています。イェリー・ダラーニはシューマンのヴァイオリン協奏曲のロンドン初演を行ったことでも知られています。 イェリー・ダラーニの録音は当初はヴォカリオンに、その後は英コロンビアに録音を行っており、その数は決して少なくはないのですが、なぜか、献呈を受けたり、初演したりしていた、歴史的にも重要な作品の録音が残されることはありませんでした。 ここのところ、精力的に新譜リリースを行っている英BIDDULPHの新譜として、イェリー・ダラーニの１９２８～３１年の英コロンビア録音の復刻が発売になりました。収録内容は下記のとおりですが、比較的ポピュラーな作品が演奏されており、イェリー・ダラーニ縁の作品がみられないのはちょっと寂しいところです。また、最後のモーツァルトの２曲はヴォカリオン録音です。 イェリー・ダラーニは、１０代でヴァイオリンを学ぶことを終えてしまっているため、いかに才能豊かとはいっても、姉アディラの洗練されたスタイルとは異なっていて、野生的で奔放な印象があって、それが人気でもありましたが、技術的な蓄積が十分ではなかったためか、テクニックを維持し続けることができず、晩年はフィレンツェに移り住み、ここで生涯を終えています。 イェリー・ダラーニの録音のＣＤはこれまでもありましたが、これだけまとめて復刻されるのは初めてではないかと思われ、非常に貴重なリリースではないかと思います。これも通常のＣＤと同時に４４．１ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでも発売されましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しました。あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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アルバン・ベルク弦楽四重奏団のベートーヴェンの初期と中期の弦楽四重奏曲集#４０年前のＣＤ 第３６３回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、東芝ＥＭＩ（エンジェル）が１９８４年１２月１日に発売していた新譜に、アルバン・ベルク弦楽四重奏団による、ベートーヴェンの初期の弦楽四重奏曲集と中期の弦楽四重奏曲集という２つの３枚組がありました。アルバン・ベルク弦楽四重奏団は１９７０年の結成で、独テレフンケン（テルデック）から続々と録音をリリースしており、それらがことごとく高い評価を得ていたところでしたが、１９７０年代の終わり頃にＥＭＩに移籍していたのでした。 ＥＭＩへの移籍後の最初の録音がベートーヴェンの中期の弦楽四重奏曲集でした。１９７８年から翌年にかけてレコーディングセッションが行われたもので、最後期のアナログ録音でした。ということもあり、２０２１年にはタワーレコード・ディフィニション・シリーズでのＳＡＣＤ（TDSA-191/2）がリリースされていたところです。 この中期の弦楽四重奏曲集の国内初出は１９７９年１０月２０日発売の３枚組ＬＰ（EAC77305/7）で、演奏については、当時の「レコード芸術」の月評の評者は小石忠夫氏でしたが、推薦とはしていませんでした。 続いて発売されたのがベートーヴェンの初期の弦楽四重奏曲集でした。１９８０年から翌年にかけてレコーディングセッションが行われたもので、こちらはデジタル録音でした。 この初期の弦楽四重奏曲集の国内初出は１９８１年１０月２１日発売の３枚組ＬＰ（EAC87004/6）で、演奏については「レコード芸術」１９８１年１２月号の月評での門馬直美氏は「この四重奏団は、テンポの速い楽章では、一般の団体よりも少々速めにテンポを設定することが多いが、むしろ速いテンポをとることによって、少しの乱れもないアンサンブルのなかで、洗練された熱気をただよわすようにしているのである。これに対して、ゆるやかな楽章では、歌わせることを忘れない初期のベートーヴェンの性向を大切にし、くずれることなしに、しみじみと語りかけるように音楽をすすめる。そして、この演奏に熱気が感じられるということのひとつの大きな原因は、力性の扱い方がきわめて明快なことにある。そして、たしかにこの演奏は現代的であるし、エネルギーにみちあふれているといった感じを抱かせる。この四重奏団は、ウィーンのベートーヴェンの演奏の伝統に安住したりすることなく、そうかといってこの伝統を完全に無視しているのでもなく、しかも、すべてに積極性をみせいているのである。」と評して推薦としていました。 もう一方の佐川吉男氏は「例によって洗練度の高いすこぶる目のつんだ演奏ぶりだが、それでいて感情の変化にもけっこうとんでいて、初期のベートーヴェンの若々しい推進力や抒情、幻想などを柔らかいひびきですっきりと表現していくところがこの団体らしい。第１番はその意味で名演といってよいし、続く第２番も、すきとおるような美しさがひき出される柔らかい表情がこの曲の端麗優雅な趣を遺憾なく再現していて魅了される。第４番や第６番の緩徐楽章と、同じく終楽章での洗練された熱演が作り出すこの四重奏団独自の美感なども傾聴に値しよう。新発売盤の中では、バリリの魅力を現代化してよみがえらせ、ヴラフの特徴と折衷したような作品１８の全曲といえるかもしれない。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、アルバン・ベルク弦楽四重奏団のテレフンケン（テルデック）からリリースされていた録音については、ウィーンの伝統的な奏法と、現代的な感覚との両立あるいは融合した演奏が実現されているのが全く素晴らしいと思っていたところでした。 そして、ＥＭＩに移籍して、ベートーヴェンの中期の弦楽四重奏曲集と、初期の弦楽四重奏曲集が相次いで発売され、その演奏は当然ながらテレフンケン（テルデック）録音の頃の演奏と大きく異なるところはないのですが、ウィーン的な温和な趣が若干後退していて、求心的に作品を演奏しようとする姿勢が強まっており、より客観的、普遍的な演奏となっているように思えたのでした。もちろん、ウィーン的な流儀を思わせる響きやフレージングの妙が確実に底流にはあって、この後の録音においても、それぞれに絶妙なバランスが図られた目覚ましい名演名録音がリリースされ続けることになっていったのでした。
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フルトヴェングラーのアムステルダム・コンサートのライヴ録音のハイレゾ先月４日のこの欄に、フルトヴェングラー指揮のベルリンフィルが１９４９年６月１０日にヴィースバーデンで行った演奏会のライヴ録音が９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾで発売されたことについて書き込んでいたところでしたが、今度はフルトヴェングラーが１９５０年７月１３日にアムステルダムのコンセルトヘボウで、アムステルダム・コンセルトヘボウ管を指揮しての演奏会のライヴ録音が９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾで発売になりました。曲目はベートーヴェンの交響曲第１番、「レオノーレ」序曲第３番と、ブラームスの交響曲第１番で、これはフルトヴェングラーのライヴ録音の中では比較的知られている法ではないかと思われ、何度かＣＤ化もされているところです。 このアムステルダムのライヴ録音の既出盤の中では、オランダのＱ ＤＩＳＣ がオランダの放送局音源からＣＤ化をおこなったシリーズの第１弾であった、ANTHOLOGY OF THE ROYAL CONCERTGEBOUW ORCHESTRA VOLUME Ⅰ 1935-1950（97017）１３枚組ＣＤに収録されているものが、最もオリジナルの音源に近い音で聴くことができるのではないかと思っていたところです。 これに対して、今回のハイレゾ音源は、音の力感やエネルギー感はあるのですが、音の質感はいまひとつで、やや荒くてヒステリックなところがあり、この演奏会のライヴ録音を聴くのであれば、上述のANTHOLOGY OF THE ROYAL CONCERTGEBOUW ORCHESTRA VOLUME Ⅰ 1935-1950のＣＤの方が明らかに優れているのではないかと改めて思った次第です。
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グールドのハイドンのピアノ・ソナタ集#４０年前のＣＤ 第３６２回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ＣＢＳソニーが１９８４年１２月１日に発売していた新譜に、グレン・グールドのピアノ独奏による、ハイドンのピアノ・ソナタ集の２枚組がありました。ハイドンのピアノ・ソナタが６曲が収録されており、ホーボーゲン番号（ウィーン原典版番号）で表記すると、ピアノ・ソナタ第４２（５６）番、第４８（５８）番、第４９（５９）番、第５０（６０）番、第５１（６１）番、第５２（６２）番の後期の作品から６曲が演奏されています。 録音は１９８０年から８２年にかけてニューヨークのＣＢＳ３０丁目スタジオで１曲ずつレコーディングセッションが行われたもので、グールド初のデジタル録音として発売されたものでした。 この録音の国内初出は１９８２年５月２１日発売の２枚組ＬＰ（56AC1404/5）で、演奏については「レコード芸術」１９８２年７月号での岩井宏之氏は「演奏は演奏家が創る作品である――このことを最も強く聴き手に実感させてくれるピアニストがグールドであろう。ハイドンの６曲のソナタもグールドが思いのままに創り出した作品である。この演奏をハイドンのスタイルになじまないとして、否定しないまでも敬遠する人がいないとはいえまい。だが、反面、グールドの生き生きとしたオリジナリティに惹かれる人も少なくあるまい。私は後者である。「ソナタ第６２番（５２番）」の両端楽章の躍動感はグールドならではのもので、ペダルの使用を控え。ノン・レガートでさっそうと弾き切ると、これまで聴き慣れてきた温和なハイドン像が、たくましい意思をさらけ出した精悍なハイドン像に変わり、その意表を衝く発想がなんとも快かった。ただし、第２楽章アダージョは、両端楽章との性格的対比を重んじたためか、重重しく遅すぎる感じがする。他の５曲のソナタも、緩徐楽章で音楽の流れが多少淀んだ感じになるのが惜しい。これさえなければ何もいうことのないハイドンだった。」と評して推薦としていました。 もう一方の武田明倫氏は「いうまでもなく、グールドのハイドンである。これが平凡なものであるわけがない。たとえば「第５８番」の終楽章である第２楽章、ロンド（プレスト）のプレストにしろ、「第５９番」第１楽章のアレグロにしろ、そのテンポは優れて現代的なものだ。結論めいたことをいえばグールドはこれらの作品が作曲された時代の音楽様式を完全に了解しながら、例のスタッカートを多用した独自のアーティキュレーションで、まさしくハイドンのソナタを現代によみがえらせているのである。じつは、モーツァルトのグールドには、いささか作為を感じないでもなかった。しかしこのハイドンは違う。ハイドンの書いた音楽の設計図が、グールドという現代のフィルターを通すことで、なんとも生き生きとよみがえってくるのである。これはまた、グールドが一部で思われているような音楽的な変人でも奇人でもないことを立証する演奏でもあるといえないか。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、グールドが他の作曲家の作品を演奏しているとき以上に、自らのフィーリングや主張により自在な演奏を行っており、リズムやアクセントを大きく変化させることで、ジャズのインプロヴィゼーションのような印象にすらなっており、グールドの音楽的センスが先鋭的に表れた演奏のように思われます。その一方で、緩徐楽章は、こまやかな変化をつけながらスムーズな演奏を行っているのですが、遅いテンポが大きく変化することもなく、平板すぎてあまり面白くないなという印象であることも否めず、このギャップが不思議に思える演奏でした。
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ロウヴァリ指揮、フィルハーモニア管のショスタコーヴィチの１０番＋αフィンランドの俊英指揮者、サントゥ＝マティアス・ロウヴァリ（Santtu-Matias Rouvali, 1985-）は、２０１３年にコペンハーゲン・フィルの首席客演指揮者と、タンペレ・フィルの芸術監督兼首席指揮者に就任し、２０１７年にはイェーテボリ響の首席指揮者に就任し、さらに２０２１／２２年のシーズンからはエサ＝ペッカ・サロネンの後を継いでフィルハーモニア管の首席指揮者に就任するなど、３０代にして目覚ましい経歴を築いています。ロウヴァリ指揮のフィルハーモニア管の録音は英SIGNUMからリリースされているところですが、新譜としてショスタコーヴィチの交響曲第１０番が発売になりました。昨年４月７日にロイヤル・フェスティバルホールで行われた演奏会のライヴ録音です。これも通常のＣＤと同時に９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでも発馬されましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しました。 実はこの録音のリリースに先立って、昨秋にはショスタコーヴィチの交響曲第６番と第９番のレコーディングセッションによる録音が発売されていたのでしたが、未紹介でしたので、併せて以下に併記します。こちらも通常のＣＤと同時に９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでも発馬されましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しています。
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アルゲリッチのドイツ・グラモフォン録音のＣＤ化（１９８４年１２月１日発売）#４０年前のＣＤ 第３６１回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ドイツ・グラモフォンが１９８４年１２月１日に発売していた新譜に、マルタ・アルゲリッチのＣＤが３点がありました。ドイツ・グラモフォンでも、最新デジタル録音ばかりでなく、アナログ録音のＣＤ化にも本腰を入れてきていたところで、カール・ベーム指揮のＣＤのシリーズの全２０点の発売が完了したところでしたが、続いて、マルタ・アルゲリッチの録音のＣＤ化がスタートし、全部で９点のＣＤが発売予告されているのですが、その第２回発売に続く第３回として３点が発売になったものです。 １点目は、ショパンの２４の前奏曲に、前奏曲 嬰ハ短調 作品４５と、前奏曲 変イ長調 遺作をカップリングしたもので、２４の前奏曲は１９７５年１０月にミュンヘンのヘラクレスザールでレコーディングセッションが行われたもので、他の２曲は１９７７年２月にロンドンのワトフォード・タウンホールでのレコーディングセッションです。この録音の国内初出は１９７７年１２月発売のＬＰ（MG1100）でした。 演奏については「レコード芸術」１９７８年２月号での岩井宏之氏は「ここでのアルゲリッチは、ある種の余韻を楽しみながら、ショパンの世界をつくりあげている。メロディーをなめらかに歌いきること、あるいはハーモニーを色彩的に豊満に響かせることと、豪壮な表現とが１～２分の小品の中で共存し、一方から他方への転換がきわめてスムーズである。１曲の中での自在で適切な気分の転換、表現のありようの転換は、当然「２４の前奏曲」全体についてもいえるので、まさにそれによってアルゲリッチは個々の曲の性格を浮き彫りにし、曲趣を盛りあげるのに成功したのである。」と評して推薦としていました。 ２点目は、２枚録音したショパン・リサイタルのうちの第２集で、１９７４年７月にミュンヘンのプレーナー・ザールでレコーディングセッションが行われていたものです。この録音の国内初出は１９７５年７月発売のＬＰ（MG2491）で、演奏については当時の「レコード芸術」での評者の岩井宏之氏は無印としていたようです。ちなみにこの年の器楽曲の月評では、年間で１２点の録音しか推薦になっていませんでした。 ３点目は、ラヴェルの夜のガスパール、ソナチネと、高貴で感傷的なワルツのカップリングで、１９７４年１１月にベルリンでレコーディングセッションが行われていたものです。この録音の国内初出は１９７５年１２月発売のＬＰ（MG2501）で、演奏については「レコード芸術」１９７６年２月号の月評での岩井宏之氏は「フランスのピアニスト達――フランソワのような人を除いて――より、テンポの伸縮、強弱の対比が多少強調されているが、そのためにラヴェルがゆがめられ、本質が変質させられたとうことはなく、むしろ彼女は作品を生かすために自己を抑制している。「ソナチネ」の精妙さ「円舞曲」のふくらみのある表現としゃれた味、そして「夜のガスパール」の繊細さ、が印象的である。」と評して推薦としていました。 私もこれらの録音については、驚異的なテクニックと集中度の高さ、本能的とさえ思える奔放さと激しさ、そしてフレーズや弱音の美しく絶妙なコントロールなど、まさに圧倒される思いで聴いていたところで、２４の前奏曲は演奏の自在さにおいて、ポリーニの録音を凌駕しており、ショパン・リサイタルの第２集も、ライヴ録音のような、なりふりかまわぬ没入の演奏ではないにしても、エモーションとコントロールの両立した見事な演奏だと思いますし、ラヴェルのピアノ曲集も、超難曲といえる作品を全く危なげなく自在に演奏していて、エモーショナルでイマジネーション豊かな演奏の世界に圧倒される思いで、いずれも今なお素晴らしい名演名盤といいうるものだと思います。 ちなみに現在では３点ともＳＡＣＤ化されており、もっぱらこちらで聴いている現状にあるので、以下にＳＡＣＤの規格番号も併記します。
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Michel Béroff COMPLETE ERATO RECORDINGSフランスのピアニストのミシェル・ベロフ（Michel Béroff, 1950-）は、１７６７年の第１回オリヴィエ・メシアン国際コンクールで優勝し、ＥＭＩに録音したメシアンの幼子イエスに注ぐ２０のまなざしの全曲録音が評判となり、以後、ロマン派から近現代の作品を中心にＥＭＩに数多くの録音を行っていたところです。私自身にとっても、メシアン、ドビュッシー、バルトーク、プロコフィエフなどの録音は、永年の愛聴盤なのですが、数多い録音の全てを把握し、聴けている状況にはありません。 ベロフは今年の５月９日に７５歳の誕生日を迎えるのですが、これを記念してということなのか、ＥＭＩ（現ERATO）の全録音を収録した４２枚組ボックスが発売になりました。 ベロフの録音は悉くＣＤ化されているイメージがあるのですが、ＣＤ３７のウルフ・ヘルシャーとのＲ・シュトラウスとフランクのヴァイオリン・ソナタは今回が初ＣＤ化です。 また、ＣＤ４２に収録されている、１９６９年録音のバッハのフランス風序曲と、１９７８年録音のベートーヴェンのピアノ・ソナタ第第３０番と第３１番は、ＬＰでも発売されたことがなく、今回が初出となります。 ベロフは私の好きなピアニストの１人なので、すでにＣＤで持っている録音も多いと思いながらも、袖手することとしました。あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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クレーメル、マイスキーとバーンスタイン指揮、ウィーンフィルのブラームスの二重協奏曲#４０年前のＣＤ 第３６０回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、ドイツ・グラモフォンが１９８４年１２月１日に発売していた新譜に、ギドン・クレーメルのヴァイオリン、ミッシャ・マイスキーのチェロと、バーンスタイン指揮のウィーンフィルによる、ブラームスのヴァイオリンとチェロのための二重協奏曲に大学祝典序曲をカップリングした１枚がありました。この当時、ドイツ・グラモフォンでは、前年の６月２５日にブラームス大全集という全８巻、ＬＰ６２枚という大部なセットを発売していたのですが、ヴァイオリンとチェロのための二重協奏曲は、この大全集の第２巻「協奏曲」（88MG0512/5）に収録されていたのが初出で、単売は今回が初めてとなります。 大学祝典序曲はバーンスタインとウィーンフィルのブラームスの交響曲全集にもカップリングされていましたが、こちらは１９８２年９月の録音だったのに対し、今回発売になったのは１９８１年４月の録音で、今回が初出となります。 このカップリングは、ＣＤとＬＰ（28MG0759）の同時発売で、演奏については、「レコード芸術」１９８５年１月号の月評での宇野功芳氏は「バーンスタインが主導権を握ったブラームスである。彼の表現は第１楽章に明らかなごとく極めて壮大であり、遅いテンポ、じっくり踏みしめるリズム、厚みのある響きのミックスされた情熱がすばらしい。ヴァイオリン・ソロのクレーメルは彼独自の透明な感覚を随所に生かし、ノンヴィブラートによる木管のような音色にも欠けてはいないが、全体としては指揮者の強力な支配下にあり、《透明な情熱》とでもいうべきヴァイオリンを奏でてゆく。チェロのマイスキーは、あたかもバーンスタイン自身がチェロを弾くような演奏を聴かせてくれる。音色にも、フレージングにも、強弱にもこくがあり、表情の幅がおどろくほど広い。「大学祝典序曲」は「二重協奏曲」をさらに若々しくしたようなバーンスタイン調で、全体の熱っぽい緊張感と楽器や表情の抉り、溢れるような歌が一貫し、その棒にオーケストラが力いっぱい応えてゆく。」と評して推薦としていました。 もう一方の高橋昭氏は「第１楽章冒頭のトゥッティからテンポが遅く、演奏がバーンスタインのリードで進められることを示すが、そうかといってクレーメルとマイスキーが主体性を放棄していると考えられては困る。最も驚かされたのはマイスキーの進歩である。音に艶が出て来たし、表情も豊かで全体に緊張感があって、これが、音色に張りを、表情に強い集中力をもたらしている。クレーメルも例によって孤高と呼びたいほどの潔癖さで演奏しているが、彼のしなやかな感受性はマイスキーと結びついて呼吸のあった演奏を聴かせる。この曲の代表的なレコードの１つに数えられよう。余白には「大学祝典序曲」が収められている。バーンスタインの演奏は力強いが、それを重くしていないのはウィーン・フィルの魅力である。バーンスタインはここでも音楽の流れを固めながら、その上で感情を豊かに展開させている。彼独自のカンタービレも魅力。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、二重協奏曲でのバーンスタインの指揮については、この時期の演奏らしく、濃密で起伏に富んでいて、感情的にはやや暑苦しいくらいの音楽作りをしているのですが、ウィーンフィルがこれに見事に応えて、バーンスタインの指揮する音楽の世界を実現しながらも、自らの流儀を発揮して美しくてバランスの良い演奏を実現しているのはさすがだと思います。クレーメルのヴァイオリンは持ち前のスリムでストイックな演奏を行っており、切れ味鋭い大胆な表現がことさら印象的です。マイスキーのチェロは非常にメロウで、優しくて深いロマンティシズムを感じるもので、クレーメルの演奏の世界とは水と油のようにも思えるのですが、両者の呼吸が良いため、それぞれの持ち味が際立つ形になっており、こういう演奏も二重協奏曲を聴く醍醐味の１つではないかと思います。 大学祝典序曲は、弾むような演奏で、ノリノリでワクワク感があって、さらには明るく開放されたような爽快感もあり、ニューヨークフィル時代のバーンスタインの演奏を思わせるようなところがあります。バーンスタインがこの録音に限って、なぜこのようなコンセプトの演奏を行ったのかは分かりませんが、当時のフィーリングがそうだったということなのでしょうか。いずれにしても非常に魅力的な演奏だと思います。
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HIMARIのデビュー録音となるワックスマンのカルメン幻想曲ヴァイオリニストのHIMARI（吉田 妃毬, 2011-）は、幼少の頃から類い希なる才能を発揮して、出場するコンクールでは全て優勝し、名教師サハール・ブロンが驚異的な生物学的現象だと驚嘆し、２０２２年には最年少の１０歳でアメリカの名門カーティス音楽院に入学し、昨年にはドイツの音楽事務所KD SCHMIDに所属して、国際的な活動を本格化していたところです。すでにHIMARIの知名度はかなり高くなってきていたのですが、今年の３月２０～２２日に、ベルリンのフィルハーモニーホールで、メータ指揮のベルリンフィルとヴィエニャフスキのヴァイオリン協奏曲第１番を演奏すると発表されて、大きな話題となりました。ただし、指揮者のメータが体調不良のため、急遽ベルリン生まれのセバスティアン・ヴァイグレに変更になっています。ヴァイグレがベルリンフィルを指揮するのは今回が初めてとのことです。 そして３月２２日の演奏会は映像収録されてベルリンフィルのデジタルコンサートホールで公開されています。ヴィエニャフスキのヴァイオリン協奏曲は第２番の方が有名ですが、演奏の難易度は第１番の方がずっと高く、このことが第１番の演奏頻度が必ずしも高くない理由の１つになっているようにも思われるのですが、HIMARIはこの難曲を、何の危なげもなく、自在に堂々と弾ききっており、第１楽章が終わったところで聴衆の拍手か沸き起こっていたほどでした。演奏終了後の盛大な喝采に応えてアンコールとして演奏したのが、ジョン・コリリアーノのレッド・ヴァイオリン・カプリッチョという超難曲の抜粋で、聴衆ばかりか、ベルリンフィルのメンバーをも驚愕させていました。 そのHIMARIは、先月英デッカと録音契約を締結し、デビューＥＰを５月２３日に発売するとアナウンスしています。デビューＥＰという言葉の意味がよく分からないのですが、フルアルバムまでいかない、ミニアルバムといったところでしょうか。 さらに先行して、ワックスマンのカルメン幻想曲と、エイミー・ビーチの「ロマンス」の２曲を先行配信すると発表し、ベルリンフィルとの共演に先立つ３月１８日にカルメン幻想曲が発売になりました。ストリーミングのほか、９６ｋＨｚ／２４ｂｉｔ のハイレゾでもリリースされましたので、高音質を期待してハイレゾの方を入手しました。あとは楽しみに聴かせてもらおうと思っています。
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フェリアー、パツァークとワルター指揮、ウィーンフィルの「大地の歌」#４０年前のＣＤ 第３５９回 不定期連載ということで#４０年前のＣＤという書き込みを続けているところですが、デッカ（ロンドン）が１９８４年１２月１日に発売していた新譜に、キャスリーン・フェリアーのアルト、ユリウス・パツァークのテノールと、ブルーノ・ワルター指揮のウィーンフィルによる、マーラーの交響曲「大地の歌」がありました。ワルターのＣＤは、すでにコロンビア響とのステレオ録音がＣＢＳソニーから発売されていますが、これは１９５２年５月にウィーンのムジークフェラインザールでレコーディングセッションが行われた、モノーラル録音であり、如何にＬＰ時代から名演名盤として聴き継がれてきた録音とはいえ、これをＣＤで発売するのか、という思いがありました。 この録音の国内初出は１９５６年１月発売の２枚組ＬＰ（LLA 10106/7）で、「大地の歌」のほかに、フェリアーの独唱でマーラーのリュッケルトによる５つの歌～第１，３，４曲も収録されていました。その後のＬＰリリースでは「大地の歌」のみを１枚に収録するようになっていきました。 演奏については、「レコード芸術」１９５６年２月号の月評では「「大地の歌」は、ワルターの個性をつぶさに生かせる作品であり、その個性を思う存分生かした演奏である。ワルターはマーラーの直弟子だから、マーラーを演奏するときにもっともいい面が出てくる。本当に耽溺的で陶酔しきった演奏である。フェリアーのいいところもよく出ており、この曲の理想的な演奏のレコードだ。」と評して推薦としていました。 ちなみに私の聴いた感想はというと、この録音において特に評価の高いフェリアーの歌唱については、声のクリヤーさや、歌唱の明瞭さはいまひとつに思えるところもあるのですが、演奏への集中度、作品世界への没入度が高く、その歌の表現する世界に圧倒される思いがします。その一方で、必ずしも評価が高いとは言えないパツァークのテノールも、声質やキャラクターがこの作品に非常にマッチしていると思いますし、声量も十分で表現力も高く、本当に素晴らしい歌唱だと思います。 ワルター指揮のウィーンフィルは、歌劇場のオーケストラで場面描写力に優れているということもあってか、ワルターの作品の世界を描き尽くそうとするかのような指揮の下で、濃密でドラマチックで、それでいてしなやかで美しい演奏を実現しており、これらをモノーラル録音ながら、十分に良好な音質で聴くことができ、当時、国内廉価盤ＬＰで聴いていた私は、このＣＤを聴いてまさに目を見開かされる思いがしたものでした。
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